Alfred Brendel Portrait.avi [496x288, 1:08:56]

Since Megaupload has vanished in thin air, and there is no signs that one day returned, I look for some other services for upload files to share. But also almost all file hosters has gone, and everyday are less and less. So the other day I was at The pirate bay webpage, and find a server associated to them, in Hong Kong, Bay files, wich allows to upload singles files up to 5 GB, something that no one other file hosting offers to people without paying. So I decided to repost all my deleted files that used to be on Megaupload on this server. Only problem? The delete files after 30 days from the last download. But, you know, I thonk is very useful to upload big collections of films and discographies with out having to download zillions of parts to get it at once. From now on, until we have not a better web hosting service, this will be the hoster for big collections and video files in one single file, just for all the people who come to this page looking for the best with the less problems. Enjoy!

Desde que el servidor de Megaupload se desvaneció gracias a la paranoia decimonónica de la supuesta protección a los derechos de autor, he buscado un servidor que me permita compartir con ustedes archivos grandes en un solo enlace de descarga, lo cual no ha sido fácil, pues la mayoría de los servidores similares a Megaupload han desaparecido. Afortunadamente, el otro día estaba en la página de The pirate bay, y me encontré con una página asocialda a ellos, Bay files, que permite el almacenamiento de archivos hasta de 5 Gigabytes sin problema, por lo que este será, a partir de ahora, el almacenador de todos los archivos colectivos en un solo link. El único problema es que los archivos son borrados después de 30 días a partir de la última descarga, de modo que ya saben lo que pasará si llegan demasiado tarde a las entradas. Por lo pronto, empezamos la reposición de todos los archivos perdidos con este documental de Alfred Brendel. ¡Disfrútenlo!

[4TH ANIVERSARY POST] Homunculus (1916, Otto Rippert) (George Eastman House Digest Restoration)

Un homúnculo es una criatura surgida del proceso alquímico de destilación que buscaba la piedra filosofal. El término aparece mencionado por vez primera por Paracelso, y desde entonces se utiliza no sólo en la literatura alquímica, sino especialmente en la literatura fantástica para referirse a creaciones artificiales de seres semejantes al hombre, pero carentes de alma y de rasgos que los identifiquen como tales. El primer célebre homúnculo literario es obra de Goethe y es Wagner, el antiguo alumno de Fausto. Otras menciones de estos seres aparecen en Mary Shelley en su Frankenstein así como en Sommerset Maugham, por no mencionar incontables escritores de literatura fantástica que usan, directa o indirectamente, seres que serían homúnculos.

El homúnculo se relaciona con el Gólem, figura del folclor medieval europeo y de la tradición rabínica yiddish que hace referencia igualmente a seres fantásticos creados a partir del barro, tal como eneña la Biblia que fue creado el hombre, pero al que le faltarían los atributos del ser humano, en especial la capacidad de hablar. La "popularidad" del Gólem, no menos que otras figuras similares como el mencionado homúnculo, alcanzaron su cúspide cuando el Gustav Meyrink escribió su novela El Gólem, de 1915, basada en los relatos medievales del rabino Juda Low ben Bezalel.

Ambas figuras, el Gólem judío y el homúnculo paracélsico, dieron origen a una vasta literatura, pero sobre todo a dos películas del cine expresionista alemán del mismo título, de las cuales la más célebre es la de Paul Wegener sobre la novela de Meyrink y el gueto de Praga. La otra es Homunculus, de 1916, de Otto Ripert, una obra maestra del cine pre- expresionista alemán y que ha sobrevivido hasta nuestros días de manera fragmentaria. Además de los aspectos de la imaginería propia del cine expresionista alemán, la obra es la más profética de todo el cine de este periodo, pues el presonaje central del filme se ve cada vez más rechazado por la sociedad quie lo rodea al percatarse éste de que él no es como los demás, y a la muerte de su perro, su odio por la humanidad se dispara, y decide vengarse por medio de un sorprendente paralelismo con Hitler, pues se vuelve el tirano de un innominado país, y desde el poder no sólo se apodera de las mentes de sus conciudadanos, sino que decide lanzar su venganza hacia todas las naciones circunvecinas.

Profética, desquiciante, oscura, amenazante, Homunculus es esa clase de películas que remueven la conciencia por su capacidad de mostrar el lado oscuro del ser humano y sus consecuencias. Obra maestra que explora la naturaleza del Mal sin conseciones de ninguna especia, es un fiolme que debe ser visto por su inquietante belleza y su hondura socio-histórica.

Título original: Homunculus

Año: 1916

País: Alemania

Género: Terror

Dirección: Otto Rippert

Guión: Robert Reinert

Duración: 74 min

Reparto:

Olaf Fonss, Fridrich Kühne, Theodor Loos

Datos del archivo:

Intertítulos: italiano

Calidad: TVRip

Resolución: 620x400

Formato: MP4

Tamaño: 427 MB

Como obsequio adicional, les dejo el extraordinario poema de Jorge Luis Borges, "El Gólem", el cual pueden leer o escuchar en su propia voz:

[06] Track06.mp3

EL GOLEM

Si (como el griego afirma en el Cratilo)

el nombre es arquetipo de la cosa,

en las letras de rosa está la rosa

y todo el Nilo en la palabra Nilo,

y, hecho de consonantes y vocales,

habrá un terrible Nombre, que la esencia

cifre de Dios y que la Omnipotencia

guarde en letras y sílabas cabales.

Adán y las estrellas lo supieron

en el Jardín. La herrumbre del pecado

(dicen los cabalistas) lo ha borrado

y las generaciones lo perdieron.

Los artificios y el candor del hombre

no tienen fin. Sabemos que hubo un día

en que el pueblo de Dios buscaba el Nombre

en las vigilias de la judería.

No a la manera de otras que una vaga

sombra insinúan en la vaga historia,

aún está verde y viva la memoria

de Judá León, que era rabino en Praga.

Sediento de saber lo que Dios sabe,

Judá León se dio a permutaciones

de letras y a complejas variaciones

y al fin pronunció el Nombre que es la Clave.

La Puerta, el Eco, el Huésped y el Palacio,

sobre un muñeco que con torpes manos

labró, para enseñarle los arcanos

de las Letras, del Tiempo y del Espacio.

El simulacro alzó los soñolientos

párpados y vio formas y colores

que no entendió, perdidos en rumores

y ensayó temerosos movimientos.

Gradualmente se vio (como nosotros)

aprisionado en esta red sonora

de Antes, Después, Ayer, Mientras, Ahora,

derecha, Izquierda, Yo, Tú, Aquellos, Otros.

(El cabalista que ofició de numen

a la vasta criatura apodó Golem;

estas verdades las refiere Scholem

en un docto lugar de su volumen.)

El rabí le explicaba el universo:

"Esto es mi pie; esto el tuyo; esto la soga."

Y logró, al cabo de años, que el perverso

barriera bien o mal la sinagoga.

Tal vez hubo un error en la grafía

o en la articulación del Sacro Nombre;

a pesar de tan alta hechicería,

no aprendió a hablar el aprendiz de hombre,

Sus ojos, menos de hombre que de perro

y harto menos de perro que de cosa,

seguían al rabí por la dudosa

penumbra de las piezas del encierro.

Algo anormal y tosco hubo en el Golem,

ya que a su paso el gato del rabino

se escondía. (Ese gato no está en Scholem

pero, a través del tiempo, lo adivino.)

Elevando a su Dios manos filiales,

las devociones de su Dios copiaba

o, estúpido y sonriente, se ahuecaba

en cóncavas zalemas orientales.

El rabí lo miraba con ternura

y con algún horror. ¿Cómo (se dijo)

pude engendrar este penoso hijo

y la inacción dejé, que es la cordura?

¿Por qué di en agregar a la infinita

serie un símbolo más? ¿Por qué a la vana

madeja que en lo eterno se devana,

di otra causa, otro efecto y otra cuita?

En la hora de angustia y de luz vaga,

en su Golem los ojos detenía.

¿Quién nos dirá las cosas que sentía

Dios, al mirar a su rabino en Praga?

[4TH ANIVERSARY POST] Das Kabinett des Dr. Caligari (1920, Robert Wiene)

Siguiendo con los extensos festejos por el cuarto aniversario de la Fonoteca, que como muchos de usyedes saben no se limita únicamente a discos y archivos musicales, sino también a archivos cinematográficos en video, hoy toca el turno a una de las más emblemáticas e inquietantes producciones del cine expresionista alemán. Ya los amables amigos de la página se habrán percatado de mi particular fascinación por el cine expresionista, a lo que sólo agregaré que no es sólo a éste, sino a todo el periodo expresionista en general, al cual dediqué un trabajo de investigación, publicado en 2007, y sobre el cual he impartido dos veces sendos cursos.

Con respecto al cine expresionista alemán, pero también al cine no expresionista de las época, hay que recordar que mucha genet se suele referir al mismo como cine mudo. No, el cine mudo sería aquél realizado por mudos, por gente que no puede hablar. El cine de este periodo se llama cine silente.

El gabinete del doctor Caligari fue dirigida por Robert Weine y es considerada por muchos como la primera película expresionista, si bien hay algunas películas de directores posteriormente identificados con este estilo, como Fritz Lang, quien realiazó Der müde Tod en 1921, un filme que no siempre ha sido considerada expresionista. El movimiento expresionista como tal tenía una fascinación por el mundo de los monstruos y los demonios como una suerte de personificación de los temores y obsesiones que acosan al hombre moderno, fantasmas provenientes del pasado, de un mundo corrupto y decadente. En sus mejores obras, el expresionismo adoptó un carácter de abierta denuncia en torno a la manipulación del individuo por parte de instituciones abstractas como el Estado, y en ese sentido, no pocas de las películas expresionistas alemanas parecen proféticas en cuanto al modo en que el Estado alemán nazi manipularía a sus ciudadanos.

La extraordinaria combinación de historias fantásticas, a veces terroríficas, combinadas con una notable dosis de imaginación lírica en el manejo de las imágenes, a la vez que un peculiar estilo tanto en la fotografía como en los decorados, cercanos al teatro en cuanto a su calidad a veces claustrofóbica, hicieron del expresionismo el más importante e influyente movimiento cinematográfico de los años veinte y treinta.

El caso de El gabinete del doctor Caligari es ilustrativo a este respecto, especialmente en el mencionado aspecto profético, no menos que otras películas como Nosferatu (ya compartida previamente, acompañada de la inquietante música del grupo belga Art Zoyd) o Metrópolis; además de los aspectos sociopolíticos, de una base histórico-social que a veces daba origen a la narrativa (como en este file es el caso de una serie de asesinatos ocurridos en la realidad), no poco del cine expresionista alemán parece anticipar una constante del siglo XX, en particular de los países industrializados: el asesinato en serie tanto como el asesinato en masa. Esta exploración del Mal y sus laberintos, a veces de tonos abiertamente dostoievskianos, abrirá una veta a la que el cine posterior no podrá resistirse.

[4TH ANIVERSARY POST] Der Müde Tod (Fritz Lang, 1921)

Der müde Tod fue la octava película de Fritz Lang y la que le daría el reconocimiento internacional que sus anteriores películas no pudieron otorgarle. En inglés se le conoce con el torpe título de Destiny, pero más idiota es el título con que se le conoce en español: Las tres luces. Mejor respetar el título original, más poético y sugerente: La muerte cansada. El título en español hace referencia a las tres historias que el filme relata.

Se trata de una obra extraordinariamente lograda y enmarcada dentro del complejo imaginario expresionista, alimentado por tradiciones medievales y renacentistas en torno a la idea del triunfo del amor sobre la muerte a través de poderosas imágenes llenas de un asombroso lirismo y una mezcla de historias a través del tiempo histórico real que recuerda la poderosa narrativa de Las mil y una noches.

La enorme originalidad narrativa del filme así como su riqueza visual entremezclada con ideas de trascendencia, el destino humano y la condena, le significaron a Lang un gran triunfo internacional y la oportunidad de viajar a Estados Unidos para realizar la parte más conocida y exitosa de su filmografía. La enorme fuerza lírica de Der müde Tod la hace una de las más logradas películas del cine expresionista alemán así como una de las más influyentes. Una joya exquisita que no se pueden perder.

Fritz Lang - Der Müde Tod (1921)

Inglés/English / Intertìtulos: Español

105 min I Divx 512x416 I 900 kb/s I 128 kb/s vbr mp3 I 29.97 fps

737 MB + 3% de recuperación/recovery

1 single link: Megaupload

[4TH ANIVERSARY POST] Häxan (Benjamin Christensen, 1922) (1968) USA sound re-release edition / Divx 576x432

Continuamos con las entregas por los cuatro primero años de la Fonoteca, y ahora toca el turno a una más de las obras maestras del cine silente danés. Häxan, o La brujería a través del tiempo, dirigida por Benjamin Christensen, es una obra que hoy en día resultaría impensable.

Christensen realizó una película que rompió esquemas en su época, difícil, si no imposible de clasificar en los esquemas tradicionales, pues mezcla ficción con la idea del documental en un sentido bastante ecléctico, pues aquí no es la ficción la que ayudaría a darle el toque verosímil a la narrativa documental, sino a la inversa. La obra creada por Christensen no es una película de horror ni de fantasía, no es una obra de denuncia ni un documento que trace la historia de las creencias o de las religiosidades, sino algo único, irrepetible, pues la ingeniosa mezcla de elementos ficticios, tanto en lo que realmente podría llamarse ficción, como en las imágenes documentales que buscan apoyar a aquélla, hacen de este filme un caso único de ruptura de géneros cinematográficos tanto como de planos narrativos e imágenes líricas.

La sorprendente unión de elementos visuales pretendidamente documentales y los abiertamente ficticios dan como resultado una extraordinaria obra que sobrepasa limitaciones y nos permite constatar que el Mal es no sólo el máximo absoluto en el arte moderno (a diferencia del arte antiguo o precedente, centrado en la religión católica y la idea del bien) sino un objeto de fascinación más que de condena, y que detrás del Mal se encuentran la incomprensión y no pocos de los excesos y pretextos de dominación y persecusión que hemos padecido, y seguimos padeciento.

Häxan, además, ha contado con algunas "actualizaciones", como una torpe narración adicionada a posteriori, obviamente, por William Burroughs y música del célebre violinista de jazz-rock francés Jean-Luc Ponty. Más afortunada fue la música creada por el grupo belga Art Zoyd, la cual pudo ser vista en vivo en México, en el Palacio de las Bellas Artes allá por 1996/1997 en una única función especial exhibida en su sala principal. Pero no hay nada como verla tal como fue pensada, en forma silente, pues la ausencia de sonido le otorga un carácter extraordinario, más expresivo que cualquier música adicional que se le pueda agregar. Una obra maestra absoluta.

Silente / Intertítulos: Castellano/English

85 minutos / Divx 576x432 / 3172 kb/s / 224 kb/s cbr mp3 / 23.97 fps

2,01 GB

[SPECIAL MEGAPOST 4TH ANIVERSARY] Beethoven • The Nine Symphonies [30 CDs, 23 Videos, 30 GB]

Continuando con los festejos por el cuarto aniversario de la Fonoteca, los cuales se prolongarán quince días más, con más películas, documentales y colecciones discográficas exclusivas, y para abrir el año que empieza con uno de los posts más gratificantes y emocionantes, esta vez repongo y completo todos los ciclos sinfónicos beethovenianos que a lo largo de los cuatro años previos fueron apareciendo en distintas ocasiones, más la adición de dos ciclos entero en video, uno de ellos publicado parcialmente, y el otro en estreno en la página, pero que muchos habrán visto en televisión.

La primera novedad es la ya una vez compartida versión, asombrosa, de la Novena sinfonía bajo la batuta ni más ni menos que de Pierre Boulez al frente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York en 1975. Sobre esta grabación me he referido a propósito de una reflexión que hice para la revista Quodlibet en su emisión de invierno, refiriéndome a esta grabación como referencia para el proyecto emprendido por Boulez con respecto al ciclo sinfónico mahleriano.

El resto de los ciclos sinfónicos corresponden a diversos directores y a diversas orquestas. Frans Brüggen al frente de la Orquesta del Siglo XVIII; Nikolaus Harnoncourt al frente de la Orquesta de Cámara de Europa; Roy Goodman al frente de The Hanover Band; Osmo Vänskä al frente de la Orquesta de Minnesota; y Claudio Abbado al frente de la Filarmónica de Berlín. Todos estos ciclos están en formato mp3 a 320 kbps, y están repetidos en formato wav la Tercera sinfonía con Frans Brüggen, debido a su extraordinaria calidad, y a que es la mejor versión hasta ahora grabada, en especial la Marcha fúnebre, que es simplemente espectacular. También en formato wav, además de en mp3 a 320 kbps, está el ciclo completo con Roy Goodman al frente de The Hanover Band, el más espectacular y notable ciclo grabado hasta el día de hoy, y que fue, además, el primero hecho copn instrumentos de época, una imponente grabación, pionera de este tipo de interpretaciones, que aún hoy en día, a casi 25 años de haber empezado a grabarse, no ha sido superada.

No menos importantes son los ciclos de Nikolaus Harnoncourt al frente de la Orquesta de Cámara de Europa, fundada por Claudio Abbado, una versión que combina una orquesta de cámara moderna con una interpretación históricamente informada. Probablemente una de las mejores versiones hechas hasta el día de hoy, pero tal vez no del agrado de todo mundo. En una línea similar a la de Harnoncourt, tenemos dos versiones espectaculares: el segundo ciclo de Claudio Abbado, realizado apenas terminado su primer ciclo, al frente de la Filarmónica de la Filarmónica de Berlín, y que constituye uno de los más grandes triunfos del espíritu humano de los últimos 40 años. El otro ciclo completo es el de Osmo Vänskä al frente de la Orquesta de Minnesota, un ciclo esplendoroso y prácticamente perfecto, en la línea de interpretaciones históricamente informadas, con la que puede considerarse una de las mejores orquestas sinfónicas estadounidenses (especialmente sus cuerdas, extraordinarias).

En el otro extremo, el de las interpretaciones historicistas, se encuentran el ciclo de Frans Brüggen al frente de la Orquesta del Siglo XVIII, una grabación que hiciera historia y que sigue vigente pese a los avatares del mercadeo empresarial discográfico internacional, y el ciclo de Roy Goodman al frente de The Hanover Band, sin duda alguna, el más espectacular y brillante ciclo sinfónico beethoveniano grabado hasta le fecha: una toma de sonido extraordinaria, perfecta, una lectura del genio beethoveniano inmaculado, y un sonido vibrante y lleno de matices, como no existe otro en el mercado. Ambos ciclos comparten una peculiaridad: están agotados desde hace años y es prácticamente imposible hallarlos en CD.

Finalmente, tienen también la oportunidad no sólo de escuchar estos diversos ciclos sonfónicos completos, sino que además los pueden ver en video. El primero de ellos, lamentablemente está incompleto, y es el de Frans Brüggen, y de éste sólo tengo cuatro de las nueve sinfonías: la Primera, la Tercera, la Quinta y la Octava. Los otros dos ciclos sí están completos, y uno de ellos no podría ser más controversial. El primero, es el ciclo completo grabado por Herbert von Karajan, un ciclo que hoy parece como de plástico, falseando muchas de las cualidades de este ciclo, no sólo en cuanto al tempo, sino en cuanto a las sonoridades. Un ciclo que en su momento, y aún hoy, fue festinado no sólo por el público, sino más aún, por Deutsche Grammophon. Ni de lejos me parece un ciclo digno de mención, pero en todo caso, a cada uno de ustedes le corresponde juzgarlo de acuerdo a sus propios gustos y criterios.

El otro ciclo integral de las sinfonías de Beethoven, es el realizado por Claudio Abbado al frente de la Filarmónica de Berlín. Este sí, indudablemente, extraordinario, fruto de una serie de conciertos en vivo, se trata del ciclo en video más extraordinario realizado hasta el día de hoy: claridad y perfección por donde se le vea, la lectura de Abbado del ciclo sinfónico beethoveniano está llamado a ser la versión de referencia del nuevo siglo, y un ejemplo de honestidad intelectual y claridad interpretativa. En la versión previa de la Fonoteca sólo había compartido cuatro de ellas, y ahora tienen aquí la oportunidad de tenerlas todas juntas.

La simple comparación entre la versión de Abbado y la de Karajan les hará claro por qué la del maestro italiano es absolutamente superior a la de Karajan. Bienvenidos todos al 2012.

[MEGAPOST 4TH ANIVERSARY] Napoleon - 1927, Abel Gance / restored by Francis Ford Coppola, scores by Carmine Coppola and Carl Davis

Para concluir el año, que no los festejos por el cuarto aniversario de la Fonoteca, los cuales concluirán dentro de una semana, hoy toca el turno a una obra maestra del cine silente francés, una película mítica que en muchos países del mundo jamás ha sido exhibida. En México fue la Cineteca Nacional (o tal vez alguna de las pantallas de los cines universitarios en el Centro Cultural Universitario, ya no recuerdo bien), a mediados de los años ochenta, la que estrenó, en una sola función (que yo recuerde) esta joya exquisita, ante un público expectante que llegamos desde temprano a hacer cola para ver esta legendaria obra maestra. Hace algunos pocos años volvió a ser exhibida, esta vez en el Auditorio Nacional y con orquesta en vivo, con la partitura de Carmine Coppola. Este 2012 será exhibida de nueva cuenta en el Teatro Paramont de Oakland, en marzo, dentro del festival cinematográfico de esa ciudad, con la partitura de Carl Davis, dirigiendo la Oakland East Bay Symphony. Pero en los hechos, se trata d

e una película que muy rara vez llega a las pantallas contemporáneas. Hay que señalar, adicionalmente, que la música original del filme corrió a cargo del compositor alemán Arthur Honegger.

Entre los aspectos notables de la película está el hecho de haber sido en su momento la más extensa en cuanto a duración; la versión que comparto con ustedes tiene una duración de 3 horas y 54 minutos. Sin embargo, el filme ha tenido varias restauraciones, siempre realizadas por Kevin Bronlow, quien le ha agregado segmentos redescubiertos con posterioridad a su estreno en 1981 en el Radio City Music Hall de Nueva York (una función previa, en el Tellirude Film Festival de Colorado, en 1979, fue presentada pero sin la participación de American Zoetrope, la compañía de Francis Ford Coppola ni la partitura de Carmine Coppola), y en la actualidad tiene una duración de cinco horas y media.

No es muy común que la película se exhiba debido a las exigencias que Abel Gance estableció, pues se requieren tres pantallas al unísono por medio de lo que Gance denominó Polyvision, un sistema de proyección que sólo sirve específicamente para esta película, en particular para el último carrete del filme, pues hacerlo para toda la película habría sido impráctico. Debido a esto, muy pocas veces se ha podido exhibir de esa forma. Las últimas ocasiones que esto sucedió, fue en diciembre de 2004, en el Royal Festival Hall de Londres, y en diciembre de 2009 en la Cité der la Musique en París, y la próxima está programada para 2012 en Oakland. En México, sólo la versión en el Auditorio Nacional respetó los criterios del director francés, incluyendo una orquesta en vivo tocando la partitura de Coppola, y la previa, en los años ochenta, fue proyectada en una pantalla simple, tal y como los distribuidores de los años treinta hacían, con una sola pantalla, central, y una adaptación para el carrete final en la misma pantalla.

Lo que van a ver, quienes deseen descargarla, es en realidad dos opciones para este filme. Ambas corresponden a la versión restaurada de 1981 por Bronlow, pero contienen dos diferencias. Una es el filme entero, sin interrupciones, con la partitura original de Carmine Coppola, en un solo y extenso arechivo de casi 3 GB, y para verla pueden usar cualquier reproductor de video (VCL, WMV, Quicktime, Classic Media Player) siempre y cuando tengan los códecs necesarios. La segunda opción corresponde a la partitura de Carl Davis y está dividida en dos partes, en formato Real Video File (.rmvb), cada una independiente de la otra, correspondiente a las dos partes en que el filme estaba dividido. Cada quien puede optar por una u otra versión, pero deben tener los códecs necesarios; si tienen instalado el Classic Media Player les permitirá reproducir todos los formatos existentes de video.

Obviamente, debo señalar que esta versión les dará una idea aproximada, tal vez muy parca y reducida, de lo que es realmente esta obra maestra, que tiene que ser vista como lo planeó Gance hace casi ochenta años, pionero e innovador del arte cinematográfico mundial.

¡Feliz año nuevo a todos!

[SPECIAL 4TH ANIVERSARY POST] Vampyr, Der Traum des Allan Grey (1932, Carl Theodor Dreyer / 711 MB for 1 hr. 11 mins. Embed Spanish subtitles)

Siguiendo con los festejos por el cuarto aniversario de la Fonoteca, ahora les comparto una película que es simplemente extraordinaria. Se trata de la obra maestra de Carl Theodor Dreyer que en español es conocida en algunos países con el ridículo título de La bruja vampiro, que es como viene denominada en la versión que comparto con ustedes. Adaptada libremente a partir de una serie de relatos de Sheridan Le Fanu, el filme retrata la historia de Allan Gray, un joven estudioso de la demonología y las tradiciones vampíricas que vive entre fantasías en un extraño interregno entre lo real y lo sobrenaturtal.

Llena de evocadoras imágenes de enorme poder lírico y una increíble calidad onírica, el filme se volvió de culto no sólo por su exploración del onirismo y su lenguaje poético, sino por los múltiples avatares que sorteó su producción, apoyada por el conde Nicolas de Gunzburg, quien decidió apoyar la producción de Dreyer a cambio de tener el papel principal, cosa que finalmente sucedió. El film entero fue rodado en Courtempierre, en Francia, y muchos de los actores no eran profesionales de la actuación, sino gente hallada en las calles y en sitios impensados, todo lo cual le otorga un carácter espectral y ominosa.

Película memorable, de culto, a medio camino entre en onirismo surrealista de películas contemporáneas como La edad de oro o La sangre de un poeta (ya compartida con ustedes hace unos días), y el manejo ominoso y amenazante del expresionismo, Vampyr es una obra extraordinaria que casi ochenta años de haber sida estrenada, no ha perdido un ápice de originalidad, de fuerza expresiva y de sugerente onirismo, algo para lo cual el cine contemporáneo está prácticamente imposibilitado de alcanzar.

Vampyr

Ficha técnica

Dirección: Carl Theodor Dreyer

Dirección artística: Hermann Warm

Producción: Carl Theodor Dreyer, Julian West

Guion: Christen Jul, Carl Theodor Dreyer

Música: Wolfgang Zeller

Sonido: Dr. Hans Bittmann

Montaje de sonido: Paul Falkenberg

Fotografía: Rudolph Maté

Montaje: Tonka Taldy, Carl Theodor Dreyer

Reparto

Julian West (Allan Gray)

Maurice Schutz (Bernard)

Rena Mandel (Giséle)

Sybille Schmitz (Léone)

Jan Hieronimko (Dr. Marc)

Henriette Gerard (Margarite Chopin)

Albert Bras (El criado)

N. Babanini (Su mujer)

Jane Mora (La enfermera)

Georges Boidin (El cojo)

General

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[SPECIAL 4TH ANIVERSARY POST] Le sang d'un poète (1930, Jean Cocteau) [The Criterion Collection]

Toca el turno a una película de culto, emblemática de la vanguardia cinematográfica surrealista, fundadora de un lenguaje visual que haría época y confirmaría a su autor, el poeta y novelista Jean Cocteau, como una figura de primerísimo orden en el mundo cultural europeo, y persona non grata para los conservadores de su época. Me refiero a la obra maestra Le sang d'un poète, de 1930, un film que hoy podríamos denominar docu-film, pues juega con

el doumental y su forma de capturar momentos específicos de algo que ocurre en la realidad, con la ficción requerida en un film convencional donde se cuentan historias ficticias. A partir de esta peculiar estructura, si lo fuese, Cocteau trata de realizar un documental acerca d

el mundo onírico y fantástico del poeta, de sus temores y fantasías, en una poderosa mezcla de imágenes poéticas que a 80 años de haber sido realizadas no han perdido un ápice de su poder evocador al mismo tiempo que perturbador. Una obra de enorme fuerza expresiva y de una belleza que parece desafiar el tiempo y las convenciones

Título original: Le Sang d'un poète

Año: 1930

País de origen: Francia

Formato: .avi

Duración: 50m 31s

Idioma: Francés

Dirección y Guión: Jean Cocteau

Reparto: Elisabeth Lee Miller, Pauline Carton, Errique Rivero, Jean Desbordes.

Calidad de video: 9/10

[SPECIAL 4TH ANIVERSARY POST] Apuntes de Frank Gehry (2005, Sydney Pollack)

Continuamos con los festejos por el cuarto aniversario de la Fonoteca, y con la semana de los documentales, y ahora damos paso a un trabajo muy distinto a los dos anteriores, pero igualmente impactante. Se trata del documental del director estadounidense Sydney Pollack sobre la obra del polémico arquitecto Frank Gehry, uno de los revolcuionarios de la arquitectura internacional con sus edificios que parecen desafiar las posiblidades espaciales y las convenciones en cuanto a funcionalidad y diseño arquitectónico.

Sydney Pollack (1934-2008) fue un director de cine bastante irregular, de cuya amplia filmografía apenas se podrían rescatar algunos títulos como Los tres días del cóndor (1975), Ausencia de malicia (1981), y Tootsie (1982), entre un largo listado de películas que van de regular a perfectamente prescindibles. En 2005 apareció este documental que recorre la vida y obra del celebrado arquitecto Frank Gehry, ganado del Premio Pritzker en 1989, considerado como el premio Nobel de arquitectura. Formalmente el documental no es muy distinto de su trabajo como director cinemaográfico: buena manufactura, trabajado con limpieza, sin una propuesta visual acorde al contenido vanguardista del artista retratado. Como tal, y de acuerdo al título del mismo, se trata apenas de esbozos, apuntes, de un trabajo más metódico, el cual estaría todavía por realizarse, aunque ya no por Pollack.

El documental da cuenta de la tímida personalidad de quien en su mundo creativo es un arriesgado y vanguardista diseñador de espacios arquitectónicos, ícono internacional de la nueva arquitectura, y creador de edificios en verdad deslumbrantes y desafiantes para la imaginación.

Pollack da cuenta de esta notable personalidad internacional a través de un uso discreto de la cámara, en dos formatos: mini DVD y película de 35 mm., lo que le permite jugar no sólo con las texturas que ambos tipos de registro proporcionan, sino además con las atmósferas de intimidad que las entrevistas con Gehry necesitan así como la espacialidad y ampulosidad que su trabajo arquitectónico transmite.

El documental es un sentido homenaje a una de las figuras más relevantes de la arquitectura moderna, un personaje tan revolucionario como lo fueron en otros momentos y en otras disciplinas artistas como Salvador Dalí e Igor Stravinsky, tan icónico como ellos, y tan retraído como uno podría imaginar. Un documental al que vale la pena prestarle atención.

[SPECIAL 4TH ANIVERSARY POST] Presunto culpable (2011, Roberto Hernández y Layda Negrete)

Presunto culpable es un documental grabado en la ciudad de México durante el proceso judicial abierto en contra de José Antonio Zúñiga, un ciudadano común y corriente a quien un buen día se le acusa de un homicidio, y después de un primer proceso judicial, es hallado culpable y encerrado en una de las cárceles más temidas de la ciudad capital: el Reclusorio Oriente. Tras solicitar una apelación, que le es negada, el equipo de abogados descubre que el defensor de oficio original del caso había actuado sin tener licencia profesional de abogado, por lo que ese pequeño resquicio (en Estados Unidos lo llamarían tecnicismo) les permite solicitar un nuevo juicio, pues su cliente no tuvo una defensa adecuada. A partir de ese momento, deciden grabar en video el juicio. Para quienes fuera de México han visto juicios judiciales como los que se ven en las series de televisión o películas estadounidenses, habrá que advertirles que lo que verán aquí no sólo es un horror sólo posible en un sistema judicial corrupto e ineficiente, sino que es además algo irreconocible con cualquier sistema judicial que se precie de ser justo e imparcial. El acusado está siempre detrás de una reja que prácticamente le impide escuchar lo que sucede en la sala de audiencias, lo cual ya es, pro decir lo menos, bastante prejuicioso, pues el acusado no está en una sala de audiencias, sino literalmente enrejado. Extrañamente aquí vemos algo que, según se desprende del documental, pero también de la experiencia de casi cualquier caso judicial en México, casi nunca sucede: la presencia del juez durante las audiencias. Normalmente el acusado nunca ve al juez, y quien lo representa es un secretario de actas, quien le muestra al final el expediente para que dicte sentencia. Tal vez por la cámara de video es que el juez (quien en pantalla no actúa como juez, sino como alguien disfrazado como tal, véanlo para percatarse del hecho) está presente, pero eso es más bien una rareza (mosntruosidad) del sistema judicial mexicano.

Además de la evidente monstruosidad que el caso en sí mismo representa, el documental despertó una amplia polémica no sólo por los burdos intentos de censura, basados en argumentos tan endebles como el presentado por uno de los testigos que aperecen en el documental, quien señalaba se utilizaba su imagen sin su autorización (un pretexto que recuerda la prepotencia de Gabriel Zaíd, poeta y escritor mexicano, que amenazó con demandar a una revista porque le habían tomado una foto sin su autorización en un evento público; sí, así se las gastan hasta los intelectuales que supuestamente son o deberían ser garantes de la libertad...

sino porque además el documental apareció en cartelera justo en medio de una discusión pública entre México y Francia respecto a la ciudadana francesa Florence Cassez, quien fue sentenciada a 60 años de prisión por ser presuntamente la jefa de una banda de secuestradores. El caso estuvo lleno de irregularidades, desde el montaje de su presunta detención y la liberación de unos secuestrados en 2005 como un acto en vivo, cuando fue en realidad una simulación, que la máxima autoridad policiaca del país, la PGR, presentó orgullosamente en el noticiario de Televisa como ejemplo de un operativo eficiente. En 2008 fue condenada a 96 años de prisión, posteriormente reducida a 60 años.

Se trató de un caso de alto perfil informativo en el que las autoridades judiciales y policiacas del país mostraron su peor rostro: el del cinismo, pues en cualquier país del mundo un caso así habría sido sobreseído por cualquier juez. Sin embargo, lo peor no había sucedido aún. En 2010 Francia empezó a solicitar, amparada en los acuerdos internacionales firmados por México, que se le permitiera a la acusada (nunca confesa, por cierto) cumplir su sentencia en una prisión parisina, a lo que se opuso no sólo el gobierno mexicano, sino una parte muy importante de empresarios mexicanos, víctimas de la delincuencia, pero también de la injusticia y corrupción del sistema judicial mexicano. El caso se convirtió en un incidente internacional que concluyó con la cancelación de los festejos por el Año de México en Francia, el cual incuía la más grande e importante exposición arqueológica de piezas prehispánicas y mayas en París, donde ya estaban los contenedores listos para ser llevados al museo, entre otros centenares de actividades oficiales.

Justamente cuando se debatía públicamente sobre este asunto, y que personsajes como Isabel Miranda de Wallace, cuyo hijo fue secuestrado y asesinado por una banda de secuestradores, respaldaron el fallo de la justicia mexicana, y presionaron públicamente al presidente de la República para que no entregara a las autoridades francesas a la condenada, fue cuando apareció en cartelera este documental que exhibía, y exhibe, al sistema judicual mexicano como algo indefendible: corrupto, ineficaz, arbitrario. Un documental que incluso dividió a la opinión pública en su momento, y que aún hoy en día sigue levantando ámpula.

[SPECIAL 4TH ANIVERSARY POST] Rebellion. The Litvinenko Case [624 x 352] (2007, Andrei Nekrasov, English subtitles)

Con motivo del cuarto aniversario de la Fonoteca, tendremos ahora una semana de no distracciones; una dosis de realidad, de esa que muchas veces no nos gusta ver porque duele, insulta, quema como el ácido, porque duele. La primera dosis de esta semana es un documental impresionante, uno de los más dolorosos testimonios acerca de la corrupción y la ambición política en un nivel en verdad demencial. Fue estrenado en 2007 en el marco del Festival Internacional de Cine Contemporáneo, FICO 2007, y muestra hasta dónde puede llevar el deseo de venganza y el cinismo político, incluso de los partidarios del acusado. La persecusión política y eliminación del agente ruso Alexander Sasha Litvinenko llegó a todas las planas de todos los periódicos, así como de los noticieros televisivos y radiofónicos de todo el mundo cuando se supo que había sido envenenado por Polonio. Pero así como llegó la noticia, así desapareció, hasta que este documental lo volvió a poner frente a nuestros ojos. Su foto en la cama de hospital, de donde jamás se recuperó, recorrió la conciencia del mundo clamando por justicia, la cual le fue negada, pues oficialmente no hay a quién acusar ni a quién procesar, y el único sospechoso, quien aparece en pantalla hablando cínicamente de la necesidad de hallar al culpable, parece burlarse de la justicia sin siquiera inmutarse. Decir que se trata de un casi sin precedentes sería faltar a la verdad: a lo largo de la historia, los jhefes políticos se han desecho de sus oponentes de mil formas, siempre efectivas, a veces discreta, a veces cínicamente públicas. En la historia de Rusia el más célebre caso de un tipo de persecusión y eliminación de un enemigo polítipo, que igual que este caso, atravesó dos continentes y un océano para llevarse a cabo, fue el de León Trotsky, quien después de servirle a Stalin como su mano operadora en la muerte de millones de compatriotas suyos, y de otras nacionalidades, como los rumanos, fue tenazmente alcanzado y asesinado en Coyoacán. Lo que hay detrás del asesinato de Litvinenko es un ejemplo de impunidad y complicidad internacional, la cual incluso enfrió durante varios años las relaciones ruso-británicas.

El documental de Andrei Nekrasov muestra a Vladimir Putin como un hombre que desde sus tiempos de estudiante se mostró como un arribista y un espía al servicio del Estado, y cómo esa relación enferma y rastrera no sólo le sirvió para sobrevivir a ese Estado sino para beneficiarse por encima de sus propios compatriotas, y cómo desde ese mundo supuestamente socialista, la barbarie capitalista emergió como de un fervoroso caldo de cultivo para sentar sus reales, y esperar que un manto de silencio y complicidad los protegiera. Nekrasov entrevista a Litvinenko sin percatarse ni prever que sería el último testimonio que brindaría; uno como espectador queda horrorizado al ver la dramática (por decir lo menos) transformación de Litvinenko de un hombre sano y normal a la figura espectral y demacrada que termina por desvanecerse. Putin y sus agentes intentaron silenciarlo por las acusaciones que lanzó contra su desmedida ambición política, pero en lugar de acallarlo le dio legitimidad y credibilidad a sus acusaciones.

Repongo este documental que compartí con ustedes hace tres años, durante el primer aniversario de la Fonoteca, esta vez en un solo enlace de descarga, con la posibilidad de verlo en línea por si no desean descargarlo. El documental está en su lengua original, inglés y ruso, con subtítulos en inglés, los cuales deberán descargar también para poder verlo. Si se les hiela la sangre es porque el documentalista cumplió con su labor.

[MEGAPOST 4TH ANIVERSARY] Flairck discografía 1978-2007: 20 Albums, mp3 @ 320 kbps [3 links: 2 x 900 MB, 1 x 752 MB] plus 2 DVDs [6 GB]

Para recuperar uno de los conjuntos discográficos más importantes compartidos en la versión previa de la Fonoteca, y para celebrar nuestro cuarto aniversario, aquí está la notable discografía del inclasificable grupo holandés Flairck, a quienes descubrí a principios de los años 80 por su extraordinario álbum debut, Variaties op een dame, el cual me inspiró a escribir uno de mis primeros poemas, que está guardado en algún archivero con papeles viejos.

Flairck es esa clase de grupos que redefinen y al mismo tiempo destruyen las ideas preconcebidas de géneros musicales, tanto en lo que se refiere a la tradición académica occidental, entre música popular y música clásica, pero también entre rock, rock progresivo, jazz, chanson, así como entre música europea y las llamadas músicas del mundo. Pletóricos de una técnica instrumetal depuradísima, suman además una visión de la música a una concepción que incluye la escenificación, muchas veces con danza y libérrimas representaciones escénicas que desafían los límites entre disciplinas artísticas, sin contar, además, de un sentido del humor sumamente peculiar y desacralizador, lo que hace que cada concierto del grupo sea una verdadera joya.

A los 20 discos que el grupo ha grabado en más de tres décadas de fructífera carrera, que incluye un disco espléndido acompañando a Georges Moustaki, esta compilación agrega dos joyas más. El primero es el DVD oficial del espectáculo multidisciplinario Circus Hieronymus Bosch, y que es prácticamente imposible de conseguir fuera de Holanda, y que no viene incluido en la caja compilatoria de aniversario. El otro es una absoluta exclusiva que sólo esta Fonoteca posee, y que ya en su momento, hace un año, compartimos en excluxiva. Se trata de una de las primerísimas apariciones del grupo en vivo fuera de su propio país, en el Festival de Jazz de Frankfurt de 1979, en donde podrán apreciar el virtuosismo interpretativo de este conjunto de enormes músicos.

[MEGAPOST 4TH ANIVERSARY] Simon Rattle's Orchestral Music in the 20th Century / DVDRIP with embed spanish subtitles

La música del siglo XX sigue siendo considerada por muchas personas como un hueso duro de roer, una manifestación artística alejada de la sensibilidad del hombre de a pie, en la que la experimentación sustituyó a los valores tradicionales que en la música popular, sea auténticamente popular, sea industrializada en alguna de sus muchas manifestaciones (rock, pop, etcétera), son parte constituyente de su discurso. Sorprende que aún hoy exista esta visión conservadora, o desconocedora del contexto en que la música del siglo XX surgió y se desarrolló. Y lo cierto es que para mucha gente esta música es algo sólo para músicos, para especialistas, y no para ellos. Por eso la serie de DVDs Orchestral Music in the 20th Century, de Simon Rattle, es una de las mejores guías a este periodo de la música en el que tantas obras maestras surgieron, y que le permitirá al no especialista tanto como al músico ya formado asomarse desde una perspectiva informada y lúdica a la música del pasado siglo no como una curiosidad, sino como lo que es: uno de los periodos más productivos y notables de la historia occidental en materia de música. Una serie imprescindible, que ya habíamos compartido en el segundo aniversario del blog, y que nuevam,ente ponemos a su disposición.

Capítulo 1: ‘Dancing on a Volcano’ (‘Bailando sobre un volcán’)

-1- Obertura de la ópera ‘Tristan und Isolde’ (‘Tristán e Isolda’) de Richard Wagner

-2- ‘Verklärte Nacht’ (‘Noche transfigurada’), de Arnold Schoenberg, basada en un poema narrativo de su contemporáneo Richard Dehmel

-3- ‘Sinfonía 7 en Mi menor’ de Gustav Mahler

-4- Ópera ‘Elektra’ de Richard Strauss

-5- ‘Cinco piezas para orquesta Opus 16’ de Arnold Schoenberg

-6- ‘Cinco piezas para orquesta Opus 10’ de Anton Webern

-7- Concierto para violín y orquesta’ de Alban Berg

Capítulo 2: ‘Rhythm’ (‘Ritmo’)

-1- Ballet ‘La consagración de la primavera’ de Igor Stravinsky

-2- ‘Ionisation’ (‘Ionización’) de Edgar Varèse

-3- ‘Das Lied von der Erde’ (‘La canción de la Tierra’) de Gustav Mahler

-4- ‘Atmosphères’ (‘Atmósferas’) de György Ligeti (usada por Stanley Kubrick en su película ‘2001’)

-5- ‘Music for Pieces of Wood’ (‘Música para trozos de madera’) de Steve Reich

-6- ‘Piano Roll No. 21’ de Conlon Nancarrow

-7- ‘Rituel in Memoriam Bruno Maderna’ (‘Ceremonia en memoria de Bruno Maderna) de Pierre Boulez

-8- ‘Sinfonía Turangalila’ de Olivier Messiaen

Capítulo 3: 'Colour' (Color)

-1- ‘Prélude à l'après-midi d'un faune’ (‘Preludio a la siesta de un fauno’) de Claude Debussy

-2- El ballet ‘El pájaro de fuego’ de Igor Stravinsky

-3- El ballet ‘Daphnis et Chloé’ de Maurice Ravel

-4- El ballet ‘Jeux’ de Claude Debussy

-5- Cinco piezas para orquesta Opus 16’ de Arnold Schoenberg

-6- ‘Notations’ para piano (en versión orquestal) de Pierre Boulez

-7- ‘Et expecto resurrectionem mortuorum’ de Olivier Messiaen

-8- ‘Dream/Window’ de Toru Takemitsu

Capítulo 4: ‘Three Journeys Through Dark Landscapes’ (‘Tres viajes a través de paisajes sombríos’)

1- ‘El castillo de Barbazul’, ópera de Béla Bartók

2- ‘Música para cuerda, percusión y celesta’ de Béla Bartók

3- ‘El mandarín maravilloso’ de Béla Bartók

4- ‘Concierto para orquesta’ de Béla Bartók

5- ‘Sinfonía número 4’ de Dimitri Shostakovich

6- ‘Sinfonía número 5’ de Dimitri Shostakovich

7- ‘Sinfonía número 14’ de Dimitri Shostakovich

8- ‘Concierto para orquesta’ de Vitold Lutoslavski

9- ‘Jeux Venetiens’ (‘Juegos venecianos’) de Witold Lutoslavski

10- ‘Sinfonía número 3’ de Witold Lutoslavski

Capítulo 5: ‘The American Way’ (‘El modo americano’)

1- ‘Rhapsody in blue’ de George Gershwin

2- ‘Decoration Day’ de Charles Ives

3- ‘A Celebration of Some 100x150 Notes’ de Elliot Carter

4- ‘Appalachian Spring’ de Aaron Copland

5- La canción ‘Lonely House’ del musical ‘Street Scene’, de Kurt Weill

6- ‘Symphonic Dances from West Side Story’ de Leonard Bernstein

7- ‘Sonatas and Interludes for prepared piano’ de John Cage

8- ‘First Construction (in metal)’ de John Cage

9- ‘Mme Press Died Last Week at 90’ de Morton Feldman

10- ‘In C’ de Terry Riley

11- ‘Harmonium’ de John Adams

Capítulo 6: ‘After the Wake’ (‘El despertar’)

1- ‘Four last songs’ (‘Cuatro últimas canciones’) de Richard Strauss, en concreto de la cuarta, titulada ‘En la puesta de sol’, con texto de Joseph von Eichendorff (las otras tres llevan textos de Herman Hesse).

2- ‘A Survivor from Warsaw’ (‘Un superviviente de Varsovia’), de Arnold Schoenberg, con una letra recitada, del propio Schoenberg,

3- ‘Cinco piezas para orquesta, Opus 10’, de Anton Webern

4- ‘Le Marteau sans maître’ de Pierre Boulez

5- ‘Gruppen’, de Karlheinz Stockhausen, para tres orquestas, cada una con su director

6- ‘Serenata para tenor, trompa y cuerdas’ de Benjamin Britten, que pone en música 6 poemas de importantes autores de la literatura universal: Pastoral (Cotton), Nocturne (Tennyson), Elegy (Blake), Dirge (Anonymous 15th century), Hymn (Ben Jonson) and Sonnet (Keats). En concreto se presenta el ‘Nocturno’ de Tennyson

7- El ballet ‘Agon’ de Igor Stravinsky

Capítulo 7: ‘Threads’ (‘Hilos conductores’)

1- ‘Laborintus II’ de Luciano Berio

2- ‘Symphony No. 8’ de Hans Werner Henze

3- ‘Zeitgestalten’ (‘Ciclos temporales’) de Sofia Gubaidulina

4- ‘Grabstein für Stefan’ de György Kurtág

5- ‘Ritual Fragment’ de Sir Harrison Birtwistle

5- ‘Drowned Out’ de Mark-Anthony Turnage

6- ‘Flourish with Fireworks’ (‘Tocata con fuegos artificiales’) de Oliver Knussen

[MEGAPOST 4TH ANIVERSARY] Beethoven • Complete Piano Sonatas • Claudio Arrau / Daniel Baremboim / Wilhelm Kempff

Comenzamos la celebración por el cuarto aniversario de la Fonoteca en su nueva etapa, recuperando algunas grabaciones y discos compartidos en la época previa para recordar lo hasta el día de hoy realizado, pero también para volver hacer que circulen esos bienes culturales que dieron y dan nombre y prestigio a esta página y a su amigo y servidor.

Todas las entregas de este cuarto aniversario prometen ser espectaculares, eco de lo que este proyecto cultural ha sido, y anuncio de lo que será: regocijo para quienes ya lo conocen, y sorpresa y alegría para quienes aún no.

Les recordamos, encarecidamente, nos sigan por Facebook, ya sea siguiendo el banner en la parte izquierda superior de esta misma página, o bien a través de este link; sólo aprienten el botón de "me gusta", y desde allí podrán seguir nuestras actividades y actualizaciones, incluso si la página volviese a ser derribada por los duendes, espías e intereses mercantiles que nos tienen cercados. Por lo pronto, comencemos. Y nada mejor que empezar con un megapost con el ciclo completo de las 32 sonatas para piano de Beethoven.

El primer gran bloque de grabaciones compartido por el cuarto aniversario es el del ciclo completo de las 32 sonatas para piano de Ludwig van Beethoven con cuatro grupos de intérpretes distintos, y con una sola excepción, todos ya compartidos en la etapa anterior de la Fonoteca. El primero de estos ciclos está representado por una rareza, pues se trata de una interpretación con varios

intérpretes, en lugar de uno solo. Tocado con pianos históricos, o más bien pianofortes, el ciclo está comandado por Malcolm Bilson y un grupo variopinto de pianofortistas, todos ellos alumnos suyos, quienes interpretan de forma muy libre este complejo co

njunto de obras, desde la más absoluta fidelidad a la partitura, hasta libertades enormes en la ornamentación de ciertos pasajes. Podría pensarse que al no haber una visión de conjunto unificadora debida a un solo intérprete este ciclo podría considerarse como una suerte de capricho. Allí radica su atractivo y su limitación, su desafío al escucha, acostumbrado a esta suerte de lectura global de la obra, en lugar de la visión detallística. El solo hecho de estar interpretada con pianofortes, y no con un piano moderno, ya da mucho qué esperar. De nueva cuenta, como en el pasado, la única versión disponible de este ciclo para descarga gratuita en la web es la que compartimos hace ya tres años, y que ahora recuperamos para nuestros amigos, los nuevos y los ya fieles desde hace tiempo, pero que no habían podido asomarse a esta pequeña joya.

El segundo de estos ciclos ya había sido antes compartido desde esta página. Se trata del ciclo completo grabado por Wilhelm Kempff, una grabación ya algo vieja, de hace más de medio siglo, para la prestigiosa casa disquera Deutsche Grammophon, y que para muchos de nosotros sigue siendo el parámetro en cuanto a rigor interpretativo y fidelidad total hacia la partitura. Monumento absoluto de lo que significa una auténtica labor hermenéutica vinculada a Beethoven y de respeto a su obra, así como orgullo permanente de la casa discográfica que le dio cabida, la grabación de Kempff sigue siendo aún hoy una referencia absoluta, y un parámetro para medir prácticamente cualquier otra versión.

El siguiente ciclo completo corresponde a uno de los más fieles intérpretes beethovenianos, y orgullo latinoamericano frente a tantos intérpretes europeos que han hecho suyo este enorme Opus pianístico. Claudio Arrau, chileno, fue uno de los más grandes intérpretes del romanticismo pianístico, y cuya estatura intelectual sigue siendo hoy en día motivo de admiración. Su ciclo de las 32 sonatas de Beethoven para el sello Philips es simplemente uno de esos conjuntos discográficos de obligada referencia. Más incluso si se considera que esta grabación incluye los cinco conciertos para piano del gran maestro.

El último de los ciclos compartidos con ustedes por nuestro aniversario es el grabado por el maestro argentino Daniel Barenboim, y editado en video en ocho DVDs por la desaparecida casa inglesa EMI. A diferencia de las versiones anteriormente mencionadas, la de Barenboim está aquí compartida en dos versiones: una para ver directamente desde la web, y el respectivo enlace de descarga para cada disco, en caso de que deseen descargarlo. De los cuatro ciclos compartidos, este quizá sea el que menos me convence debido no tanto a las libertades tomadas por el maestro Barenboim, sino porque desde aquel viejo ciclo grabado en su juventud a este no parece haber diferencias notables. Mientras que en el orbe mozartiano Barenboim parece hallarse a sus anchas, me parece evidente que el beethoveniano se le dificulta y atraganta, y la rapidez con que acomete ciertos pasajes, cosa que uno atribuía a su juventud, resulta que no es así, sino una forma idiosincrática de aproximarse a Beethoven con el áura de virtuoso.

Como sea, y dependiendo de cada uno de ustedes, estoy seguro que encontrarán enormemente gratificante empezar nuestra celebración de cuarto aniversario con un conjunto tan grande y tan im,portante de obras con semejante variedad de intérpretes, psoibilidades que enriquecen nuestra percepción de un monumento musical que merece ser celebrado.

Beethoven DVD 8

Beethoven DVD 7

Beethoven DVD 6

Beethoven DVD 5