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lunes, 30 de julio de 2012

Hans Huber • Symphonies 1 & 7

Hans Huber (1852-1921) es una de esas extrañas figuras musicales que por no haber nacido en un país culturalmente dominante ha pasado casi totalmente desapercibido para los melómanos del resto del mundo occidental. Originario de Suiza, nacido en Eppenberg-Wöschnau, en el cantón de Solothurn, hijo de un músico aficionado, se formó en el conservatorio de Leipzig, en donde uno de sus maestros fue Oscar Paul, quien en 1866 adquirió fama internacional debido a su estudio Die absolute harmonik der Griechen. Entre sus alumnos se cuentan Felix Weingartner, Leoš Janáček, Otto Schweizer y el propio Huber. Otro de sus maestros fue Carl Reinecke. Escribió ocho sinfonías, cinco óperas, así como innumerables conciertos, y murió en Locarno, el mismo año en que murió Saint-Säens. No es exagerado señalar que su música no es estrictamente original, y en ella es posible hallar algunos ecos lejanos de Mendelssohn, Brahms y Bruckner, pero también está el hecho de que la originalidad absoluta no es un requisito para que un producto musical sea perfectamente deleitable, y su música lo es.

Su Primera sinfonía, Tellsinfonie, escrita en 1822, tiene como telón de fondo la leyenda de Guillermo Tell y su lucha contra los invasores austriacos, y sólo tangencialemnte se le podría considerar una obra programática. En esta obra se pueden detectar ligeras influencias del temprano Mahler, Dvorak, Smetana y un poco del Brahms de la Tercera sinfonía. Su Séptima sinfonía, Suiza, tiene más un sentido nacionalista aunque no lo parezca realmente, y aquí las influencias si bien parecen remitir un poco a Mahler nuevamente y a Nielsen, la verdadera influencia es el compositor noruego Hakon Børresen y su notable Segunda sinfonía. La habilidad de Huber es realmente notable, más allá de posibles influencias o herencias románticas, y su sentido melódico fluye con tal tino y brillantez, que antes de percatarse ya uno acabó de escuchar ambas obras, con el deseo de volver a escucharlas con más atención. Se trata de uno de los rescates musicales más relevantes del romanticismo musical europeo, del que podría considerarse como el más importante compositor suizo, al que vale la pena escuchar con atención, ya que es casi imposible escuchar su música en vivo en alguna sala de conciertos en América Latina.

viernes, 27 de julio de 2012

Noticia: Reposición de enlances

A todos los amigos y visitantes del blog se les avisa que por motivos ajenos a mi voluntad tendré que reponer todos los enlaces de los discos que ya habían sido subidos y repuestos, de modo que empezaré a reponerlos en la entrada correspondiente, empezando con los primeros que fueron compartidos. Les ruego paciencia, y que empiecen desde el lunes a revisar el blog desde las primeras entradas, pues además de reponer los discos viejos, debo seguir subiendo nuevo material. Así revisarán qué se les pasó en su momento.

jueves, 26 de julio de 2012

Los Chalchaleros [1973 ARG] Sus grandes éxitos

Los Chalchaleros tuvieron una larga carrera de casi medio siglo llena de grandes canciones y dignos representantes del canto popular y del folclor argentino. A ellos se debe la internacionalización de este tipo de canto popular, y casi todas las canciones que grabaron son simplemente fabulosas. Veinte años después de su primer álbum, de éxitos, volvieron a grabarlos, y fue por este disco que el mundo entero los conoció. Casi todas las canciones que incluye este deslumbrante álbum se volvieron auténticos himnos de muchos de nosotros que los escuchamos casi siendo niños, y gracias a ese descubrimiento se volvieron parte de nuestro imaginario cultural y emocional. Sin duda, el cariño ya fecto que tenemos por esta música emotiva y vibrante se debe a la emigración argentina a México por las dictaduras militares que acosaron a ese país hermano. Pero la emoción en nuestro caso frente a estas soberbias canciones tal vez se deba más auna respuesta de índole estética que realmente a la probable emoción que los argentinos sentían por la lejanía de si tierra amada, de la que fueron expulsados. Llegaron a México argentinos, chilenos, uruguayos, y con ellos trajeron sus costumbres, su comida, su forma de hablar el español, pero sobre todo trajeron su música brillantísima que pobló nuestra memoria emocional.

No puedo imaginar lo que a un argentino le provocaría hoy en día escuchar estas canciones, pero a mí volverlas a escuchar después de tantos años me llena de una emoción profunda y una enorme alegría, pues forman parte de mi educación sentimental, de mi imaginario, y son parte de ese olimpo que compartían con otros cantantes y artistas argentinos como Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, y otros colegas suyos de otros países vecinos como Víctor Jara, Inti-Illimani, Los Fronterizos, Ariel Ramírez, Daniel Viglietti, Aparcoa, Quilapayún, Horacio Guaraní, y el inolvidable Alfredo Zitarrosa, todos ellos en mayor o menor medida héroes de mi infancia y de muchos otros mexicanos que con ellos descubrimos un mundo de una belleza, dignidad y compromiso inimaginable. La emoción me embarga al escuchar estas magníficas canciones, porque me hablan de un mundo que ya no recordaba: un mundo mejor y más brillante. Por eso lo comparto con los amigos de la Fonoteca.

miércoles, 25 de julio de 2012

L'Arpeggiata, Christina Pluhar: Los pájaros perdidos. The South American Project

Los senderos que vinculan la tradición popular con la música académica son engañosos, y a veces incluso peligrosos. Lo que desde una orilla puede parecer sencillo, de fácil dominio si se posee la técnica interpretativa necesaria, puede no serlo a la hora de apropiarse de una tradición que es ajena en sus intenciones y modos expresivos. Y eso es válido en ambos sentidos. Alguna vez un amigo me corregía cuando señalaba que el mejor violinista de la mejor orquesta europea sería incapaz de tocar con la gracia y el virtuosismo natural de un intérprete de sones jarochos, por ejemplo, con lo que de hecho se rompe el paradigma de alta cultura frente a las cultura vernáculas o populares. En los discos anteriores a este me he referido a estos mundos circunvecinos entre los géneros nacidos de una cultura vernácula, como el blues, y cómo en otras regiones ha sido adoptada no como una experiencia vital, sino como un género musical, asequible por la vía del dominio instrumental, como ocurre con no pcoos de los cultores del blues británico. Esta clase de resultados son tan evidentes no sólo en este caso, sino en muchos otros, donde el dominio técnico puede ser asombroso pero la emoción y el espíritu que dio origen a un género son inexistentes: la Orquesta de la luz, conjunto japonés que toca salsa con una técnica envidiable, pero sin la menor emoción ni la pasión de los grupos caribeños que tocan usualmente este género. Los ejemplos podrían multiplicarse a placer.

En el caso que ahora nos toca el resultado es exactamente ese. Un grupo de músicos europeos que se acercan  a los géneros populares latinoamericanos desde su propia tradición cultural, sin percatarse que su aproximación produce un ejercicio tan conmovedor como un témpano de hielo que se derrite en el verano. Quizá el error más evidente sea el de elegir a cantantes con formación académica, para quienes el registro lírico popular les es absolutamente desconocido, y creen que pueden impostar la emoción de la misma forma en que lo hacen cuando cantan una aria de ópera barroca, como ocurre con el lamentable ejemplo de Philippe Jaroussky, contratenor que sin duda es muy bueno cuando canta arias de Vivaldi u otros compositores barrocos, pero quien además de cantar canciones que no fueron pensadas para una voz impostada como la suya, ni siquiera entiende lo que está cantando. Su versión de la conmovedora zamba argentina Duerme negrito es del todo inexpresiva, e interpretada aquí como si fuera un andante cantabile vivaldiano. Basta oírla con cualquier cantora argentina, como Mercedes Sosa, por ejemplo, para percatarse que Jaroussky no tiene nada que hacer ante la brillantísima cantante argentina. El sentido de canción de cuna popular se le escapa totalmente a Jaroussky, no menos que a la propia directora del proyecto, Christina Pluhar, quien en las notas del disco hace referencia a los diversos géneros recopilados aquí desde su origen barroco hispano y europeo, es decir, no de forma muy diferente a como Eric Clapton se aproxima al blues: como un género musical al que es posible acercarse por medio del diminio técnico del instrumento, y no como el caudal ebullente de una cultura viva que hay que experimental y vivir.

En ese sentido, el disco es más un platillo para los europeos que descubrirán el folclor latinoamericano a través de los ojos de una europea como ellos, rodeada de europeos que hablan su mismo lenguaje musical, cantando canciones que no entienden más que como formas musicales derivadas de su propia tradición, con lo cual le roban su identidad, porque por más que sean hijos de formas musicales europeas estratificadas, al asimilarse y transformarse en géneros populares cantados en las pampas u otra regiones del continente latinoamericano adquieren su propia vida y su espíritu. La zamba argentina, por ejemplo, no se toca con salterio (que aquí suena como un instrumento para turistas), sino con guitarra y su sonido es más potente que la chirriagua que la Pluhar y sus músicos ofrecen. Quizá el yerro más lamentable sea la confusión entre auténtica música popular, salida del pueblo, generalmente para bailar, como el joropo o la zamba, y la inclusión de una canción que se ha vuelto popular en el sentido moderno y comercial de la palabra, como Bésame mucho, un bolero que le ha dado la vuelta al mundo pero que dista mucho de ser una pieza popular como casi todas las demás del disco, con la excepción de Los pájaros perdidos de Astor Piazzola. 

La mayoría de las piezas son interpretadas de forma más o menos similar: ritmos perfectamente cuadrados, voces bien entonadas (escúchense todas las participaciones de Jaroussky, quien no tiene la menor idea de los estropicios que le da a cada canción al cantarlas como arias de alguna ópera barroca), pero carentes de cualquier emoción, pues resulta evidente que los cantantes no hablan español (escúchese el "carramba" en La cocorroba, o "el calorr de la tierra" en La zamba del chaguancopor sólo mencionar un par de varios ejemplos lamentables), introducen elementos culturales ajenos a las piezas, como en la versión instrumental de Alma llanera, tocada casi como un jazz con toques jarochos tanto en el arpa y el cuatro, la presencia casi abusiva del salterio en casi todas las piezas.

El texto de presentación del disco, escrito por Christina Pluhar, y aquí me disculpo con los fans, y por mi comentario casi sociológico, es un insulto a las culturas latinoamericanas y a las tradiciones populares, y es un ejemplo, tal vez inadvertido por su autora, de imposición de valores occidentales a tradiciones populares que han adquirido su pleno derecho a  existir, ya sin referencia a su origen europeo, pese a provenir de este. Al referir estas tradiciones a un origen continental allende el océano, se les niega su derecho a ser y a su propia identidad, pues si son hijas bastardas europeas, deben ser tocadas como tales, y así negarle su carácter auténticamente latinoamericano. Indudablemente estamos ante un ejemplo de reflexión cultural colonialista que no se cuestiona siquiera si exista otra forma de acercarse a esta culturas autóctonas. Para la Pluhar no hay diferencia entre el carácter popular de estas canciones y el carácter popular de las registradas en su disco sobre Taranto que dio origen a la tarantella. Y al no haber diferencia, estas piezas son europeas, sólo que de aquel lado del charco.

Y confieso que después de un rato, ¡ya estoy hasta la madre de los pinches salterios! Y por otro lado, ¿de qué manuscrito apócrifo sacó la Pluhar que una pieza como Pajarillo verde incluye un cornetto y maracas? Ah, y que alguien le preste un mapamundi a la Pluhar para que vea que México no se encuentra en Sudamérica... Y si empiezan a rascarle, especialmente los amigos de Sudamérica, no sólo compartirán mi molestia, a lo mejor llegan más lejos. Y habrá quienes se sientan halagados de ser tratados como europeos, aunque sean europeos de segunda o tercera. Sólo comparen la versión de Duerme negrito interpretada por Mercedes Sosa con la que aquí canta Philippe Jaroussky para percatarse que ningún europeo o franchute con voz tipluda puede cantar mejor lo que nación de aquellas regiones, y que la emoción y delicadeza de la canción original no puede suplirse con meras maromentas operáticas; o como decimos en México: zapatero a tus zapatos.

lunes, 23 de julio de 2012

[SUPERB!!!] La Tarantella • Antidotum Tarantulae [mp3 @ 320 jkbps]

Una parte relevante de la música bailable de las grabaciones de música barroca se encuadra en su carácter aristocrático o instrumental, más que en su carácter dancístico en sí mismo. Esto es comprensible cuando uno escucha a Bach, Lully, Rameau, Handel, y a tantos otros compositores. Pero el carácter dancístico de estas composiciones prácticamente es inexistente. Con la música de baile barroca sucede más o menos lo que uno ve en la música popular de nuestros días. El blues, por ejemplo, al que nos referíamos hace poco. No es lo mismo el blues cantado por virtuosos músicos ingleses (Eric Clapton) que por nativos negros americanos (B.B. King o Jimmy Rogers). Hay una sensibilidad natural en estos últimos que en los segundos es sustituido por un dominio absoluto de recursos técnicos. En otras palabras, para los nativos el blues es algo que se lleva en la sangre y forma parte de su identidad. Por eso los auténticos bluesistas negros no hacen rock, sólo tocan blues, a diferencia de alguien como Eric Clapton, para quien el blues es sólo un género musical más. Lo mismo sucede con esta música bailable barroca escrita por compositores académicos o con formación de ese tipo, y la auténtica música bailable. Nadie pretendería realmente bailar una suite sobre temas bnailables de Bach o Rameau (en este último caso sólo el rey, por ejemplo) pues no están realmente hechas para bailarse. Se trata de una técnica, o un subgénero musical aprovechado para crear contrastes rítmicos.

La auténtica música bailable es justamente una suerte de atmósfera que acompaña a un pueblo, y no sólo una técnica o recurso compositivo. Y esto es lo que nos ofrece este espléndido álbum, que toma como hilo conductor el de esta popular danza original del pueblo de Taranto, en Italia. Esta joya de disco nos conduce por danzas y canciones anónimas y de compositores conocidos recorriendo estados de ánimo que van de lo melancólico a lo reflexivo, de lo abiertamente triste a lo gozoso y festivo, en una suerte de caleidoscopio ejemplar de emociones humanas a flor de piel. Se trata de uno de los discos más notables que he escuchado últimamente, exquisitamente interpretado por Christina Pluhar y sus músicos, y cantado con gracia inigualable por Lucilla Galeazzy y el tenor italobritánico Marco Beasley, quienes dan vida a toda una cultura musical que la estentórea cultura pop de nuestros tiempos y su desmedida prisa y afanes mercantiles nos han ocultado. Una joya digna de escucharse, pero sobre todo: de bailarse y soltarse.

sábado, 21 de julio de 2012

Laibach [2008 SERB] Laibachkunstderfuge [mp3 @ 320 kbps]

El grupo esloveno Laibach, pionero de la música industrial y concreta electrónica en su país, se hizo mundialmente célebre por la aparición en 1988 de su cover a Let it be de The Beatles, en donde la total transformación de las canciones del disco original significó, entre otras cosas, visibilizar el trabajo de este colectivo que incluye, no siempre de manera permanente, instalaciones, video, danza, e incluso, en algunos de sus trabajos tempranos, motosierras, cadenas, y toda clase de percusiones de origen industrial. La radical transformación de un álbum icónico del rock inglés, en forma de parodia o pastiche, a la mejor usanza barroca, hizo que el grupo obtuviera el reconocimiento internacional.

Veinte años después, el grupo volvió a tomar otro modelo icónico de la música, y esta vez se dirigieron al padre de la música clásica occidental, Johann Sebastian Bach, y su icónica obra Die Kunst der Fuge, fusionando el nombre mismo del grupo con el del compositor y su obra, en una suerte de lectura atemporal de la obra y de su legado musical. De nuevo Laibach se planteó las mismas preguntas que durante siglos se plantearon otros intérpretes, y su respuesta la llevaron no hacia el historicismo académico, sino al panorama actual de la música, concretamente al de la música electrónica. Al transformar la obra de Bach con computadoras y teclados en una nueva partitura, no exenta de interpretaciones ad libitum por parte del grupo, la respuesta parece indicar que Bach podría ser también el padre de la música electrónica, y de ciertas tendencias ultranacionalistas con las que Laibach se identifica abiertamente. Ciertos toques de orden cuasi-militar y adiciones corales y vocales parecen conducir hacia ese territorio.

El disco fue interpretado en vivo en 2006 en el Bachfest de Leipzig y recibido con entusiasmo por la crítica, de modo que un par de años después fue editado en forma de disco para su venta en Europa y Estados Unidos.



miércoles, 18 de julio de 2012

Vangelis [1983 GRE] Antarctica [mp3 @ 320 kbps]

Antarctica es el nombre de una de las bandas sonoras más exitosas y apreciadas de Vangelis en todo el mundo, y una de las razones no es únicamente debida a la magnífica música compuesta por el célebre tecladista griego, sino principalmente a que la película a la que estaba destinada nunca se estrenó en México, y a diferencia de otros discos cuyas películas sí se estrenaron en México, incluyendo la multipremiada Chariots of fire, de 1981, y otras posteriores, no había imágenes con las cuales relacionarla ni tampoco sufrió la sobre saturación que, por ejemplo, sufrieron otros temas musicales como el de Blade runner, 1492 o incluso Mitodea más recientemente. Originalmente el disco sólo salió para el mercado japonés, y algunos ejemplares llegaron a México, donde rápidamente obtuvo buena acogida y todos los fans le prestaron (prestamos) la debida atención. Mucho se dijo en su momento sobre el contenido del filme que dio origen a esta música, y se decía, por ejemplo, que había sido escrita para un documental sobre la Antártida, sin embargo sólo eran rumores, pues como ya se dijo, el film nunca se estrenó en México, por lo que nadie supo de qué película se trataba en realidad. Pocos saben que en 2006 Hollywood, y concretamente los estudios Disney, hizo un remake de este nunca visto film en México bajo el nombre de Eight below, dirigido por Frank Marshall, y con el papel estelar en manos de Paul Walker. Y hay que decirlo, por una vez el remake es mejor que la película original japonesa en que está basada, aunque no se puede decir lo mismo de la música, escrita por Mark Isham, un músico para nada despreciable, cuyos inicios en la época dorada del new age le dio fama. La música de Vangelis para esta película no ha perdido su poder de seducción y la ausencia de proyecciones del filme original en salas cinematográficas en México, lejos de causarle algún problema, la ha beneficiado al darle una total autonomía de cualquier imagen posible, dándole libertad al escucha de imaginar lo que le venga en gana en lugar de sujetarlo a imágenes estáticas ya establecidas. Sin duda, uno de los mejores trabajos de Vangelis.



martes, 17 de julio de 2012

Bi Kyo Ran [1982 JAP] Bi Kyo Ran [mp3 @ 320 kbps]

En 1982 apareció, salido del momento y del lugar más inesperado, un extraordinario álbum de rock progresivo, justo cuando el glam rock y el pop ochentero hacían de la ssuyas por todo el mundo. Desde Japón llegó el álbum debut del grupo Bi Kyo Ran, el cual jamás llegó a las tiendas comerciales del país, y sólo disponible para quienes visitaban la legendaria y aún activa tienda de rock progresivo Aquarius en la Colonia Roma. El grupo estaba conformado por Masaaki Nagasawa en la batería, Masahide Shiratori en el bajo, y Kunio Suma en la guitarra y el canto, a quienes se sumaban Michiya Koide en la flauta, Yuki Nakajima (integrante del grupo Eastern Orient) en los teclados y el Mellotron, y Toshihiro Nakanishi en el violín acústico. Lo que hizo legendario a este grupo es que recapturaban el espíritu de virtuosismo interpretativo del viejo King Crimson, en particular de la etapa de los álbumes StarlessRed, mis dos  superlativos y supremos favoritos del grupo, lo cual significa la alineación David Cross, Bill Bruford, Robert Fripp y John Wetton. La aparición de este disco impresionante dio origen al culto que otros grupos darían a King Crimson, como Anekdoten, por ejemplo, y le abrió las puertas de par en par a esta asociación de brillantes músicos japoneses en toda Europa. En México siguen siendo unos desconocidos absolutos, y salvo por los iniciados, jamás se ha escuchado su música en ninguna estación de radio.

El disco abre con la poderosa suite de quince minutos Double, en la que los riffs de guitarra a lo Robert Fripp son más que evidentes, aunque el sonido es un poco más metálico que el del King Crimson de la época referirda. La segunda pieza, Cynthia, con un toque más oriental, que recuerda incluso un poco a Yes o Renaissance, según se quiera ver, es casi un interludio totalmente acorde con los jardines de piedra japoneses. La siguiente pieza del disco es la breve Psycho, con riffs totalmente crimsonianos, que recuerdan lejanamente algubos pasajes del célebre Larks tongue in aspic del mismo periodo, con una potenet batería marcando el ritmo. El original lado dos del disco, cuarta pieza en el CD, es Monologue, es un muy peculiar sonido de King Crimsoniano a contratienpo entre la música y el canto que parece casi un recitado de corte militar. El disco cierra con la poderosa suite de quince minutos Warning, cuyo sonido recuerda a la perfección el tono melancólico y contenido de lo que David Cross hacía en el Crimson de la época, y que sin embargo, tal y como aquéllos hacían, aquí se permiten elaborar un crescendo de energía musical para desembocar en un controlado frenesí que, sin duda, estaba pensado para el concierto y la improvisación.

Bi Kyo Ran sigue activo y su trabajo no ha decaído ni en fuerza ni e su admiración hacia King Crimson. Pero su álbum debut es, indudablemente, uno de los más poderosos ejemplos de la reconocida influencia y maestría de Robert Fripp y acompañantes. Un disco imponente  y sorprendente, que no ha perdido, como los álbumes de King Crimson en que está inspirado, un ápice de su belleza y poder de seducción.


1. Double (14:24) 
2. Cynthia (4:19) 
3. Psycho (part II) (1:39) 
4. Monologue (7:02) 
5. Warning (14:19)

Total Time: 41:43

- Masaaki Nagasawa / drums 
- Masahide Shiratori / bass 
- Kunio Suma / guitar, vocals 

+ Michiya Koide / recorder 
- Yuki Nakajima / keyboards, Mellotron (from Eastern Orbit)
- Toshihiro Nakanishi / electric Black Widow, acoustic violin



lunes, 16 de julio de 2012

The Jimmy Rogers All-Stars feat. Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Stephen Stills, Robert Plant, Jimmy Page, Taj Mahal y Lowell Fulson

Si los nombres que aperecen en la portada de este disco no les dicen nada, eso quiere decir que han estado en el planeta equivocado al menos durante el último medio siglo. quiere decir que el medio comercial, mercantil, que promueve artistas mediocres ha cumplido cabalmente con su labor. Pero si les resultan familiares los integrantes de esta conjunción estarán de acuerdo que se trata de la más asombrosa reunión de súperestrellas del rock del último medio siglo... y si faltan nombres, eso se debe a que algunos que podrían haber estado ya se murieron. Pero más asombroso es que la leyenda del blues, Kimmy Rogers, los haya convocado para tocar con él, y que además este haya sido su testamento musical: un acto de generosidad inmenso al traer a toda esta pléyade de auténticos iconos de la cultura popular del último medio siglo para acompañarlo en este disco que es, sin exageración, el mejor disco de blues del último cuarto de siglo.

Jimmy Rogers, con una trayectoria de más de setenta años, algo que muy pocos podrían presumir, decidió reunir a lo más granado y representativo del rock y del blues del último medio siglo, para interpretar lo que en jazz se suele llamar standards, es decir clásicas canciones que son de obligada referencia y que todo músico dentro del género se los sabe de memoria. El resultado es simplemente EX-QUI-SI-TO, IN-SU-PE-RA-BLE, DES-LUM-BRAN-TE, CON-MO-VE-DOR. Una absoluta obra maestra como hace años y años no escuchaba, y sin duda, el mejor disco de los últimos doce años, es decir del siglo XXI. Cada pieza es interpretada con un verdadero sentimiento intraducible a otro lenguaje que no sea el del blues aquí convertido en pura gracia, amazing grace, como dice el conocido himno religioso. Es imposible tocar estas piezas con mayor gracia y con mayor alma bluesera. La armónica es interpretada con una emoción y un dominio del instrumento en verdad admirable. El piano es una alfombra mágica que conduce a regiones sólo accesibles a los chamanes mediante rituales muy precisos, y la guitarra es una bruja que se eleva hacia el infinito como un cohete en dirección a los profundidades del espacio sideral. Cada canción es una verdadera maravilla, un ejemplo de lo que la conjunción de sensibilidades blueseras es capaz de hacer, de espaldas al mundo de la comercialización brutal. Así que, señores, abran su bourbon, saquen sus cigarros, tiéndanse en su más cómodo sillón, háganse acompañar de quien más quieran, cierren las ventanas, desconecten el teléfono, y prepárenese para la experiencia de sus vidas, porque les prometo una hora o más de música que no podrán olvidar, y que desearán repetir inmediatamente después de haberlo escuchado. ¡Salud a todos!

The Jimmy Rogers All-Stars
featuring Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Stephen Stills,
Robert Plant, Jimmy Page, Taj Mahal y Lowell Fulson

01. Blow wind blow (McKinley Morganfield & Muddy Waters) featuring Jeff Healey
02. Blues all day long (Jimmie Rodgers & Jimmy Rogers) featuring Eric Clapton
03. Trouble no more (Muddy Waters) featuring Mick Jagger & Keith Richards
04. Bright lights, big city (Jimmy Reed) featuring Taj Mahal
05. Ev'ry day I have the blues (Memphis Slim) featuring Lowell Fulson
06. Sweet home Chicago (Jimmy Rogers & Robert Johnson) featuring Stephen Stills
07. Don't start me to talkin' (Sonny Boy Williamson) featuring Mick Jagger & Keith Richards
08. That's all right (Jimmy Rogers) featuring Eric Clapton
09. Ludella (Jimmy Rogers) featuring Taj Mahal
10. Goin' away baby (James Lane & Jimmy Rogers) featuring Mick Jagger & Keith Richards
11. Worried life blues (Big Maceo Merriweather, Major Merriweather & Sam Hopkins) featuring Stephen Stills
12. Gonna shoot you right down (Boom Boom) (John Koeing & John Lee Hooker) featuring Robert Plant, Jimmy Page & Eric Clapton

jueves, 12 de julio de 2012

Michelangelo Falvetti • Il diluvio universale [mp3 @ 320 + pdf booklet]

Asomarse al mundo de los compositores barrocos olvidados puede conducir a dos conclusiones que podrían resultar equívocas: adorar a oscuras y medianas celebridades cuya música carece de interés como no sea el de la novedad por la novedad, o el de suponer que tales obras suenan exquisitas gracias a la orquesta y no por méritos musicales propios. En ambos casos podría pensarse que rara vez asomarse a tales obras signifique algún mérito que no sea el del coleccionista de rarezas. Claro, frente a la grandeza de los maestros consagrados, es difícil que alguien brille con luz propia, especialmente si no tenemos prácticamente ninguna otra obra para juzgar lo escrito por alguien. Tal es el caso de Michelangelo Falvetti (1642-1692), un oscuro y olvidado compositor de Messina, Sicilia, de quien prácticamente nada se sabe, y de quien aún no existe un catálogo de sus obras. Apenas se sabe que escribió cuatro oratorios en Palermo (Abel figura dell'agnello eucaristico, de 1676; La spada di Gedeone, de 1678; La Giuditta, de 1680; e Il trionfo dell'anima, de fecha incierta), y tres en Messina (Il diluvio universale, de 1682; Il Nabucco, de 1683; e Il sole fermato da Giosuè, de 1692). No se sabe si habrá escrito música instrumental, sea sinfónica o de cámara. Pero acaso eso un día se resuelva, o tal vez no; poco importa. Lo que importa es el descubrimiento de esta obra desconocida pero sólidamente escrita, y brillantemente interpretada.

Il diluvio universale es un oratorio que toma como origen la historia bíblica del diluvio, y en esto se mantiene en la tradición del oratorio establecida originalmente por el creador del género: Giacomo Carissimi (1605-1674). Aunque aquí la fijeza hacia el modelo original de este tipo de obras no se distancia del todo, como ocurriría a la vuelta del siglo, ya aperecen algunas liberates menores: como la creación de personajes no estrictamente bíblicos, como la Justicia Divina, o el Agua, entre otros. El carácter operático que el oratorio adquiriría después en manos de autores como Handel y otros compositores posteriores, aquí está ausente, si bien el carácter dramático de la historia no. No estamos ante una curiosidad: prácticamente el único oratorio cuyo tema es este, sino ante una genuina obra maestra, toda proporción guardada con respecto a las obras maestras de los grandes maestros, plena de riqueza instrumental y vocal, con pasajes de enorme dramatismo, otros abiertamente meditativos, y con una fuerza imaginativa digna de encomio.

Por supuesto, algunos aspectos resultan extraños: la inclusión de dos cornetos, o la inclusión del percusionista iraní Keyvan Chemirani, quien toca instrumentos como el zarb, el oud y el darf, ajenos por completo ya no se diga a la tradición musical occidental sino a la música del barroco. Alguien podría pensar que la voz de Dios en el oratorio, a cargo de Matteo Bellotto, podría habérsele dado a alguien con una voz más potente, pero esa es una cuestión de gusto. No así el uso de las percusiones, que por momentos paracen abaratar la interpretación y que casi todo el tiempo parecen totalmente fuera de lugar. Con esa observación en mente, estamos ante una notable grabación digna de ser escuchada con atención.

Michelangelo Falvetti (1642 - 1692)
Il diluvio universale - oratorio (1682)
Magali Arnault (Acqua)
Mariana Flores (Rad)
Caroline Weynants (Natura humana) (soprano)
Evelyn Ramirez Munoz (Giustizia Divina) (contralto)
Fabián Schofrin (Morte) (alto)
Fernando Guimarães (Noè)
Thibaut Lenaerts (Foco) (tenor)
Matteo Bellotto (Dio)
Benoît Giaux (Terra) (bajo)

Choeur de Chambre de Namur
Cappella Mediterranea/Leonardo García-Alarcón

Grabado entre el 6 y 10 de septembiembre de 2010
Espace culturel C.J. Bonnet, Jujurieux, France




miércoles, 11 de julio de 2012

Boccherini • Fandango, Sinfonie, La musica notturna di Madrid • Jordi Savall, Le Concert des Nations [mp3 @ 320 kbps]

Dos de las obras más populares e interpretadas de Luigi Boccherini son su Fandango, una composición que retrata a la perfección el carácter español de este tipo de baile popular, y La musica notturna delle strade di Madrid, mejor conocida como La retirada de Madrid, debido a su último movimiento. Interpretada casi siempre como un encore en conciertos, y muchas veces grabada en tal contexto, es decir como una obra de relleno para complacer al público melómano, aquí de alguna manera ocupa casi ese sitio, al aparecer como la obra con que cierra del disco. Con todo y su carácter fragmentario, esta música nocturna sigue tendiendo un encanto que parece recordar la manera de capturar el instante que los impresionistas pregonaban en sus cuadros, interpretada aquí con singular salero. Por supuesto, la obra que cautiva en este registro es el celebérrimo Fandango, con el cual abre el disco como tercer movimiento del Quinteto para guitarra # 4. El carácter abiertamente festivo y gozoso de esta obra no requiere de mayor comentario. El disco incluye además dos magníficamente bien interpretadas sinfonías, a las que bien vale la pena prestarle atención.



martes, 10 de julio de 2012

Accordone • La bella noeva [mp3 @ 320 kbps, full scans]

En La bella noeva el grupo Accordone recopila una serie de piezas del barroco temprano para relatar la historia de la aparición de nuevas formas de expresión musical en la que se abren vasos comunicantes entre las necesidades expresivas populares y las de los compositores llamados cultos, en donde el sentido festivo de aquélla alcanza a la de estos últimos, y cómo entre esa relación dialéctica (la llamaríamos hoy) se trazan las huellas de una relación que no se perderá ya nunca, salvo en gran parte del siglo XX, entre la cultura popular y la alta cultura en Occidente. Interpretado, como dirían en España, con singular salero, este es un disco exquisito, de indudable referencia, y ejemplo de cómo los caminos de la vida social, pese a no estar siempre a la vista, llegan a hacerse presente en el trabajo del músico atento a su entorno.

Marco Beasley, el cantante de este extraordinario registro musical, es un cantante de origen italobritánico en quien la dialéctica cultural es casi una segunda naturaleza, y en quien es posible detectar esa necesidad de equilibrar y conectar orbes culturales y musicales aparentemente separados a través de una visión dinámica. El resultado es un disco exquisito y soberbio, digno de tenerlo entre las adquisiciones de la fonoteca de cada quien, como es el caso de esta.

lunes, 9 de julio de 2012

Accordone • Fra'Diavolo [mp3 @ 320 kbps, full scans]

La división entre música popular y música culta no siempre ha estado tan definitivamente clara como uno podría creer. De hecho, muchas veces esta separación es artificial, fruto de prejuicios no pocas veces clasistas, separando lo que en su origen no lo estaba, o no al menos como si hubiera un muro de separación. Las manifestaciones populares suelen reproducir de manera más fiel el espíritu del pueblo que las llamadas creaciones cultas, cultivadas. La clásica dicotomía occidental de contrastar opuestos ha servido desde hace siglos para modelar un pensamiento en el que todo elemento discursivo o simbólico busca su contrario. Lo culto y lo popular, lo elevado y lo bajo, lo improvisado y lo establecido, lo celestial y lo maligno. Por eso si uno se aleja de los centros culturales conocidos y se asoma al orbe donde se mueve el hombre común y corriente uno puede toparse con sorpresas notables. Tal es el caso de las composiciones reunidas en este disco del grupo italiano Accordone.

Se trata de una exquisita recopilación de obras de origen popular de compositores casi desconocidos hasta el día de hoy, y obras de autoría desconocida, algunas de las cuales aún hoy en día se pueden escuchar en algunas regiones de Nápoles, como la célebre canción del Guarracino, incluida en este disco, pero todas interpretadas a través del filtro del ensamble musical del barroco temprano aquí elegido para darle vida a este notable grupo de canciones vibrantes e imaginativas, rebeldes y juguetonas, melancólicas y festivas. Se trata de un disco absolutamente espectacular. Hay un eco casi corso en ciertas canciones, como en los PrimoSecondo discanto, lleno de tonos festivos y amorosamente melancólicos, incluso en algunos momentos con tonos gitanos, como en Pizzica di San Vito, con su abiertamente festivo tono que incluso recuerda algunos sones jarochos.

Se trata de un disco extraordinario, espectacular, que invita al jolgorio, a la melancolía, a la meditación, a la fiesta, a emociones intensas. Una obra maestra.

Un presidente incapaz de pensar por sí mismo

Una de las acusaciones más repetidamente escuchadas en la prensa independiente así como entre la gente que tenía la oportunidad de ver al nuevo presidente de México en actos masivos fue el que no era capaz de improvisar discursos y que utilizaba el llamado telepromter, esa pantalla transparente que muchos políticos usan cuando tienen que dar un discurso público y no desean estar pasando hojas impresas, por lo que su mirada puede estar puesta en el frente y aparentemente en el público que le escucha y al mismo tiempo leer el discurso. Es un recurso válido que permite el lucimiento del político y evita la abstracción en hojas de papel que le impedirían un contacto visual con el público que le escucha. Pero prácticamente a ningún político del mundo le escriben las respuestas que deba dar cuando algún periodista lo entrevista. Eso es lo que se ve en esta entrevista, donde al principio parece que es el propio Enrique Peña Nieto quien responde de su ronco pecho las preguntas que le hace otra periodista de CNN, pero muy pronto, si se fijan en su mirada y en algunos titubeos sospechosos hacia la mitad de la entrevista, podrán percatarse que en realidad él no está hablando con la periodista, sino leyendo las respuestas que alguien más le está escribiendo en el telepromter, y que hacia el final de la entrevista quien le escribe las respuestas que debe dar, recibe una llamada a su teléfono celular (móvil) lo que lo distrae y entonces EPN se queda esperando las respuestas que debe dar, hasta que comienzan a "fluir" de nueva cuenta sus respuestas. Pero el asunto preocupante aquí es que estamos ante alguien que va a gobernar un país complejo y lleno de retos pero es incapaz de articular ideas por sí mismo ante simples preguntas de una periodista. ¿No les daría a ustedes vergüenza que su presidente fuera un imbécil de esa emmergadura?



La imposición de un presidente profundamente ignorante

El pasado fin de semana el Instituto Federal Electoral (IFE), encargado de calificar la elección presidencial en México, otorgó la constancia de presidente electo al candidato del PRI, Enrique Peña Nieto. Antes incluso que se le otorgara esa constancia que lo hace "legalmente" el presidente de México, las muestras de repudio a su persona y a su partido, considerado con toda justicia como el responsable de la corrupción rampante que consume al país así como del atraso y la ignorancia del pueblo mexicano, no se han hecho esperar. Desde el año pasado las muestras de su profunda ignorancia se hicieron visibles, pero los medios masivos de comunicación como Televisa y el diario Milenio, asociados en negocios, no le dieron importancia al hecho de que sus limitaciones fueran tan evidentes, y se minimizaron las burlas que en las redes sociales del país se hacían de su persona. Tal vez a los llamados poderes fácticos les convenga un presidente así de ignorante, por lo que seguramente volverán a hallar la manera de ignorar o desacreditar sus yerros y sus evidentes lagunas mentales. 



No sé ustedes, amigos que visitan la página, pero a no pocos mexicanos nos indigna la corrupción vivida durante 70 años de uno de los regímenes más corruptos sobre el planeta, y que en su regreso a la presidencia del país no haya mostrado más que el mismo o peor rostro del pasado: manipulación, corrupción, compra del voto, amenazas y asesinato de opositores. Como en Sudáfrica en su mejor momento. Nos indigna que no sólo no haya cambiado en lo más mínimo, sino que nuestro presidente haya sido objeto de burlas en el extranjero, y la corrupción haya sido vista en todas partes menos en el IFE, que se supone debería prevenir y castigar tales conductas abiertamente atentatorias contra la voluntad de los mexicanos. Pero más nos indigna que el nuevo presidente sea abiertamente un retrasado mental, una persona que no es capaz de armar un discurso coherente y cuyas lagunas intelectuales e ignorancia sean tan ofensivamente evidentes. El video que les comparto es de una de sus primeras entrevistas ante un periodista de la CNN estadounidense y la forma patética en que su mente divaga e intenta hallar palabras para expresar lo que él cree le preguntaron es uno de los ejemplos más lamentables jamás vistos en un político que va a gobernar un país. Si el blog ha estado un poco ausente ha sido por las movilizaciones en contra de este político, y en la necesidad de crear espacios de crítica, como el nuevo blog que hice dedicado a la reflexión y crítica conceptual, el cual pueden consultar en el siguiente link. Esperamos a partir de este lunes normalizar las actualizaciones del blog, y espero también sus opiniones de lo que ven en México desde su propio país. Por su comprensión, gracias.

lunes, 2 de julio de 2012

Beethoven • Second Symphony • Gottfried von der Goltz, Freiburg Barockorchester [mp3 @ 320 kbps, configurated for iTunes]

La Sinfonía # 2 en re mayor Opus 36 de Beethoven fue estrenada en el Theater an der Wien el 5 de abril de 183 y fue dirigida por el propio Beethoven. Con ella el joven compositor se presentó como una de las figuras musicales emergentes de la escena musical alemana de la época más notables. En comparación con otras de sus propias sinfonías, como la primera, la tercera o la quinta, esta es una obra bastante más apacible y tranquila que aquéllas, en donde el drama y la hondura filosófica parecen ausentes. Grabada en incontables ocasiones por innumerables orquestas, la versión que hoy ofrecemos corresponde a una orquesta que aún no la ha grabado formalmente en ningún disco, y a la que usualmente se le identifica con un repertorio musical bastante anterior en términos de líneas de tiempo: la Orquesta Barroca de Friburgo, una de las mejores orquestas de su tipo en el mundo, especialista en música del periodo barroco y en rescatar a compositores olvidados. Apenas ha grabado algunas óperas de Mozart bajo la dirección de René Jacobs, de modo que pensar en un ciclo beethoveniano con esta orquesta suena a algo extraordinario.

Esta versión, grabada en vivo, nos da una idea de la extrema calidad interpretativa de esta orquesta, y de por qué es una de las mejores del mundo. Interpretada con brío e imaginación, con rigor y meticulosidad, se trata de una versión que hará historia, y que anticipa a los escuchas y amigos de esta Fonoteca un momento deslumbrante y memorable, y nos hace esperar con ansia el futuro ciclo sinfónico del célebre genio de Bonn por parte de esta soberbia orquesta.