Mapa global de visitantes

Mapa de visitantes

miércoles, 29 de febrero de 2012

L'ultima spiaggia [1975 ITA] Disco dell'angoscia [mp3 @ 320 kbps, ripped from original vinyl disc]

El rock progresivo italiano es uno de los géneros musicales más fructíferos de la década de los setenta del pasado siglo. A los interesados en profundizar en este asombroso movimiento no sólo musical sino cultural, les recomiendo la extensa entrada en Wikipedia que hace ya algunos años hice al respecto, y de la cual ya hay versiones al inglés (muy breve y sintética), al italiano (más breve aún) y al húngaro, que en realidad es apenas un esbozo en torno al rock progresivo sinfónico. Ninguna de las previas tiene una pretensión casi enciclopédica, y son apenas para consulta rápida. Recuerdo que cuando estaba redactando la entrada, uno de los administradores y editores de Wikipedia me contactó para preguntarme por las razones de la evidente extensión del artículo y si era necesario fuese tan extenso, a lo que mi respuesta fue que sí era necesario,
de modo que al entrada en español no sólo es más extensa que las versiones señaladas, todas hechas con posterioridad a la mía, sino más completa, aunque sólo se refiera al rock progresivo de los años setenta.

Como sea, al mundo del rock progresivo italiano le dedicaremos una semanita próximamente, pero en tanto eso ocurre, comparto de nueva cuenta un disco del que no existe versión en formato digital, y la única disponible en la web es la que ahora comparto, y que fue compartida en la versión anterior de la Fonoteca. No se trata precisamente de un grupo, en el sentido de un grupo establecido que surgió con un fin ulterior. L'ultima spiaggia, disco dell'angoscia es el resultado de un proyecto de estudio comandado por Ricky Gianco, quien reunió a un grupo de instrumentistas de estudio con el fin de promover el surgimiento de un nuevo sello discográfico, sin mayores preenciones. Si el disco obtuvo algún éxito fue más bien en el extranjero, donde los coleccionistas lo buscaban (y lo buscan aún) con ahínco y se volvió un disco de culto. No así en Italia, donde el disco pasó sin pena ni gloria, y donde rara vez se le presta atención. Pese a su carácter fragmentario, el disco es el resultado del auge del rock progresivo en Italia (vayan a la entrada en español para entender mejor el contexto), y el discurso subyacente, la historia de un hombre que sufre un accidente y durante su estado de inconsciencia observa el mal que aqueja al mundo, le da cierta coherencia. Como ocurre con la música italiana, aquí hallamos un eclecticismo musical que va más allá del mismo gpenero, fusionando tanto rock and roll como jazz, samba y otros géneros, lo que para la secta del rock progresivo no es algo muy bien visto. Sin embargo, me sigue pareciendo uno de esos discos olvidados a los que valdría la pena prestarles más atención.

Músicos
Ricky Gianco: guitar, vocals
Ninni Carucci: vocals
Nanni Ricordi: vocals
Gianfranco Manfredi: vocals
Ivan Cattaneo: vocals
Sergio Farina: guitar
Claudio Bonechi: keyboards
Hugo Heredia: sax
Gigi Cappellotto: bass
Tullio De Piscopo: drums
Ellade Bandini: drums

martes, 28 de febrero de 2012

Alfred Brendel Portrait.avi [496x288, 1:08:56]

Since Megaupload has vanished in thin air, and there is no signs that one day returned, I look for some other services for upload files to share. But also almost all file hosters has gone, and everyday are less and less. So the other day I was at The pirate bay webpage, and find a server associated to them, in Hong Kong, Bay files, wich allows to upload singles files up to 5 GB, something that no one other file hosting offers to people without paying. So I decided to repost all my deleted files that used to be on Megaupload on this server. Only problem? The delete files after 30 days from the last download. But, you know, I thonk is very useful to upload big collections of films and discographies with out having to download zillions of parts to get it at once. From now on, until we have not a better web hosting service, this will be the hoster for big collections and video files in one single file, just for all the people who come to this page looking for the best with the less problems. Enjoy!

Desde que el servidor de Megaupload se desvaneció gracias a la paranoia decimonónica de la supuesta protección a los derechos de autor, he buscado un servidor que me permita compartir con ustedes archivos grandes en un solo enlace de descarga, lo cual no ha sido fácil, pues la mayoría de los servidores similares a Megaupload han desaparecido. Afortunadamente, el otro día estaba en la página de The pirate bay, y me encontré con una página asocialda a ellos, Bay files, que permite el almacenamiento de archivos hasta de 5 Gigabytes sin problema, por lo que este será, a partir de ahora, el almacenador de todos los archivos colectivos en un solo link. El único problema es que los archivos son borrados después de 30 días a partir de la última descarga, de modo que ya saben lo que pasará si llegan demasiado tarde a las entradas. Por lo pronto, empezamos la reposición de todos los archivos perdidos con este documental de Alfred Brendel. ¡Disfrútenlo!

lunes, 27 de febrero de 2012

Handel • Giulio Cesare • René Jacobs • Paris 2008

No, aunque en la portada que acompaña esta entrega aparece Andreas Scholl y un grupo notable de intérpretes reunidos bajo el sello de Harmonia Mundi, en realidad aparece sólo por motivos de ilustración. La versión que ahora comparto corresponde a una interpretación en vivo dada en junio de 2008 en la Sala Pleyel de París, con la Orquesta barroca de Friburgo bajo la batuta de René Jacobs, quien de nueva cuenta nos ofrece una cátedra de dirección y un ejemplo de cómo se le devuelve la vida a una obra maestra para hacerla brillar en todo su esplendor.

Sin duda alguna, hoy por hoy no hay una mente más lúcida para desempolvar la música barroca y darnos testimonio de su fuerza y originalidad como la de René Jacobs. Y si algo faltara, hay que señalar que la diferencia entre el producto grabado (cuando finalmente aparece en disco, si es que lo hace) y las posibles versiones (cuando las hay disponibles) en vivo son prácticamente nulas.

El caso de esta versión, fruto de una transmisión radiofónica, confirma esta calidad excepcional de lo que Jacobs hace no sólo con la partitura, sino con la orquesta y los cantantes, quienes resultan no sólo extraordinarios por sus dotes vocales, sino por la forma en que en verdad actúan, no sólo en el nivel del canto, sino en el de la creación del personaje, dándole una profundidad actoral que va más allá de la partitura, hasta llevar al personaje al nivel de un ser vivo con matices y emociones únicas. No se trata sólo de cantantes magníficos, sino de actores-cantantes que hacen entrañables o detestables, según sea el caso, a cada personaje. Oír algo dirigido por René Jacobs es como ir al cielo y regresar.

HAENDEL - GIULIO CESARE - PARIS - 14 JUNE 2008

Location: Paris, Salle Pleyel
Concert performance: Saturday 14 June 2008
Broadcast: Radio Classique, Monday 29 Septembre 2008
Source: FM stereo receiver

Georg Friedrich Haendel (1685-1759): Giulio Cesare (1724)

Lawrence Zazzo (countertenor): Giulio Cesare
Sandrine Piau (soprano): Cleopatra
Kristina Hammarstrom (contralto): Cornelia
Malena Ernmann (mezzo): Sesto
Christophe Dumaux (countertenor): Tolomeo
Nicolas Rivenq (bass barytone): Achilla
Andrew Radley (countertenor): Nirenus
Andrew Davis (bass barytone): Curio

jueves, 23 de febrero de 2012

Handel • Belshazzar • René Jacobs • París 2003


Belshazzar es un oratorio de Georg Friderik Handel que compartí con los amigos de la Fonoteca en su anterior etapa, en junio de 2009, mismo que además apareció en un foro de música electrónica donde suelo compartir grabaciones no oficiales de obras en concierto, ya sean de jazz, música clásica y ópera.

La grabación que ahora les comparto es devastadora, y muestra por qué René Jacobs es simplemente el mejor director de orquesta barroca que hay hoy por hoy en el mundo. Sus interpretaciones son vibrantes, llenas de vida y emoción, carentes de cualquier asomo de rutina y comodidad, y por el contrario, parecen dirigidas para que el público encuentre en ellas obras del todo vivas, vigorosas y deslumbrantes, como si acabaran de salir de la pluma del compositor. Grabada en vivo en el Coeur des Hospices, el 4 de julio de 2003, apenas puede uno creer que esta sea una transmisión radiofónica en vivo y no una ejecución en estudio, donde todo tiene un equilibrio excepcional debido al trabajo previo y al de post-producción.

Jacobs no utiliza aquí a las orquestas a que usualmente nos tiene acostumbrados (la Barroca de Friburgo, Concerto Köln o la Academia de música antigua de Colonia), sino un conjunto más usualmente vinculado a alan Curtis, quien ni remotamente podría hacerla sonar como lo hace aquí Jacobs. Prepárense para casi dos horas y media de una música extraordinariamente bien interpretada, como nunca la han escuchado.

G.F. Handel - Belshazzar HWV 61
Collegium Vocale - Il Fondamento
dir. René Jacobs

Belshazzar - Kobie van Rensburg
Nitocris - Annette Dasch
Daniel - Monica Groop
Cyrus - Marijana Mijanovic
Gobrias - Henry Waddington

3 MP3 128 Kbps | Recorded from a Radio Broadcasting
Performed in public in Beaune, Cour des Hospices, 04-VII-2003

miércoles, 22 de febrero de 2012

Angelo Branduardi: Tutto Futuro Antico (I a 7, 1997-2011]

Angelo Branduardi es una de las joyas musicales definitorias de la tradición musical italiana, y uno de los secretos mejor guardados del país de la bota. Su trayectoria musical se remonta a los años dorados del rock progresivo italiano de los albores de los setenta y su temprana colaboración con el celebérrimo y celebrado grupo Banco del Mutuo Soccorso. en 1974 salió al mercado su primer disco, y desde entonces casi cada año el mercado discográfico ve un disco nuevo, siempre esperado con gran expectación, pues su mezcla de folk y música barroca y renacentista le daban un aire de especial frescura y novedad a sus
trabajos. Aprovechando la ola del rock progresivo italiano de la época, varios de sus primeros discos fueron grabados en inglés, incluso con títulos distintos, y con letras nuevas escritas especialmente para esas versiones por Peter Seinfeld, celebrado letrista de grupos como King Crimson y Emerson Lake & Palmer, quien había hecho lo mismo para casi todos los grupos italianos de la época (Premiata Forneria Marconi, Banco del mutuo soccorso, Il balletto di bronzo) que buscaron abrirse camino en el generalmente aislado y onanista mercado discográfico en inglés. De hecho, paréntesis aparte, fue justamente Keith Emerson quien dio a conocer a los ingleses lo que se hacía en Italia por aquella misma época, pues su carrera había empezado, precisamente, en Italia, con The Nice, grupo de nombre inglés pero cuyo origen era italiano.

La acertada y a veces eclécita mezcla de géneros populares antiguos y modernos que empezó a caraterizar su sonido, alcanzó su momento más importante cuando en 1997 apareció su disco Futuro Antico, en el que mezcla de manera totalmente decidida sus propias composiciones con obras barrocas y renacentistas, tal como lo hacían los músicos de aquellas épocas, al reunir en cancioneros las obras consagradas tanto como las de inspiración popular sin distingo alguno entre quién era el autor de una u otra pieza. El disco fue realizado en el marco de las fiestas por la restauración del duomo de de Spilimbergo, dañado por el terremoto de 1976. Contrario a lo que se pudiera pensar, el rigor branduardiano en el trabajo de este disco fue absoluto. Se hizo asesorar y acompañar tanto por musicólogos como por músicos especialistas en la interpretación de música antigua, para presentar a un oído no acostumbrado al sonido antiguo melodías olvidadas o que sólo estaban al alcance de los especialistas e historiadores, pero no del público en general. En este doble movimiento, Branduardi puso muchas de estas melodías, populares y conocidoas de sobra en su tiempo, en una misma dimensión musical, similar a la que en su tiempo tuvieron, otorgándoles de nueva cuenta la libertad que el músico profesional no puede darle por su propia relación con la música.

El éxito de este primer disco hizo que aparecieran muy pronto otros tres volúmenes, que fueron publicados por esta Fonoteca en varias entregas durante los cuatro años previos. Y el año pasado Branduardi sacó al mercado dos volúmenes, el sexto y séptimo de la serie, y en todos ellos la calidad interpretativa y la magia del eclecticismo italiano son patentes. Se trata de una de las series discográficas más notables de los últimos treinta años, y que aparecen ahora, toda ella, los siete volúmenes, por vez primera. Ni siquiera The pirate bay los tiene todos, y en ninguna página de la web, lo repito: en ninguna página de la web están todos juntos. ¿Van a seguir buscando en otras páginas lo que sólo aquí pueden encontrar? ... Eso pensé.

martes, 21 de febrero de 2012

Bach • El clave bien temperado • Angélica Morales [Alberto Cruz Prieto share]

Concluimos con las entregas de discos raros, descatalogados o imposibles de conseguir, editados originalmente en vinyl y que nunca pasaron al formato digital, hasta ahora. Y tal como lo ofrecí desde el principio, esta última entrega se la debemos a la generosidad del painista mexicano Alberto Cruz Prieto, uno de los mejores pianistas de la escena musical actual, con quien tuve la oportunidad de compartir una velada maravillosa hace un par de semanas, con motivo, precisamente, de la grabación que ahora nos ocupa.

Ya me había comentado Alberto hace tiempo de esta grabación, pero como era de esperarse, no existe en la web manera de conseguirla, y no sé siquiera si incluso la Fonoteca Nacional tenga en sus archivos el disco o alguna grabación de ella. Tampoco sé si el INBA tendrá alguna grabación viviendo el sueño de los justos en sus bodegas o en algún archivero empolvado.

Se trata de la que puede considerarse como tal vez la mejor pianista que haya tenido México, Angélica Morales von Sauer (1911-1996), quien debutó con la Berliner Philharmoniker a los 13 años de edad, recibiendo desde ese primer momento elogiosos comentarios y una bienvenida como sólo se le da a los grandes artistas, y su debut en el Carnegie Hall de Nueva York fue en 1929. Esta escasísima información aparece en la página oficial de las Cantatas de Bach (consúltese aquí), donde se asienta com o única grabación justamente la que nos ocupa, grabada en 1981 en el Steinway Hall de Los Angeles, California, para el sello Orion, en coproducción con el Instituto Nacional de Bellas Artes. Y aunque el disco parece es posible hallarlo on line para su compra, tiene nula distribución en México, y el propio INBA hace cero intentos porque llegue a los melómanos mexicanos. La personalidad de la Morales es legendaria, y el único reconocimiento que recibió, al parecer post-mortem, es el concurso de piano que lleva su nombre, y nada más.

Pero más allá de estas enojosas cuestiones anecdóticas, su interpretación de los dos libros del Clave bien temperado es monumental, y nos da una idea de su destreza y maestría frente al teclado, su dominio del instrumento. Se trata de una de las más notables versiones que se hayan grabado, y es una lástima que no sea tan conocida. Aquí, en la Fonoteca, nos enorgullece ofrecerla gracias a la generosidad de Alberto Cruz Prieto, quien nos proporcionó esta versión extraída directamente del disco de vinyl, sin ninguna otra información más que una calidad sonora apenas aceptable para la escucha (160 kbps). La portada que observan es de mi autoría y la agregué al archivo mp3 codificado o etiquetado para iTunes.



lunes, 20 de febrero de 2012

Pierre Henry • Musique du corticalart [mp3 @ 320 kbps from original vinyl album]

Tal como lo dije en el disco anteriormente comentado, el de Stockhausen, este es otro de esos discos de los que no estaba enterado tenía en mi fonoteca, y que ahora la Fonoteca comparte con ustedes.

Pierre Henry es uno de los padres de la llamada música concreta, un experimento o variante muy particular de la música electrónica experimental de los años cincuentas que se caracterizó por darle primordial relevancia al ruido, a su materialidad misma a través de la manipulación sonora. Si ya la música y las vanguardias musicales del siglo habían explorado otros territorios distintos de la melodía, ajenos por completo a ella, el siguiente paso lógico era no sólo explorar esa belleza oculta en las relaciones matemáticas entre tonos, brillos, alturas y demás, sino de plano darle su lugar al chirriar y al estruendo. Si ya Duchamp había creado los ready-mades, y había colocado un inodoro en el centro del mundo del arte, sólo faltaba que el ruido en todo su estruendor lo hiciera. Y eso fue exactamente lo que hizo Henry.

Musique du corticalart, o música del arte cortical, es el nombre de uno de sus trabajos más radicales y desafiantes, aunque también de los más datados. Salido directamente de la cabeza sin mayor intervención que la amplificación y cierta manipulación electrónica, el resultado es en verdad desconcertante. ¿Es esto música? Sin duda, es experimentación con el sonido, como lo habían sido sus Variations sur une porte et un soupir; sin embargo, es difícil decir que esto sea música, al menos en el sentido convencional, y de allí que su sitio en el mundo del arte sea similar al del célebre urinal: es algo que se presenta a nuestra atención, y frente a lo cual no queda más que el asombro y el desconcierto. No sé si quede algo más. Que cada quien lo decida por su cuenta.

viernes, 17 de febrero de 2012

Karlheinz Stockhausen • Musik im Bauch + Tierkreis [mp3 @ 320 kbps from Original Vinyl Disc]

No me pregunten cómo es que esta joya llegó a mis manos. Como con el disco que mañana compartiré, no recuerdo siquiera haberlo tenido hasta que el año pasado comencé a despempolvar mis viejos discos de vinyl (acetatos los llamamos en México) supervivientes del proceso de cambio hacia el formato digital y me fui topando con discos que recordaba haber tenido y aún conservaba, y otros de los cuales no tenía recuerdo alguno pero tenía. No sólo yo me emocioné con los hallazgos. Varios amigos también lo hicieron. Y más cuando les dije que iba a compartirlos en este mismo espacio. Y pues eso hago, justamente.

Esta grabación data de mediados de los años setenta del pasado siglo, e incluye dos obras, ninguna de las cuales ha sido editada en formato digital alguno. La primera es la que la portada del disco indica: Musik im Bauch, o Música en el vientre, una obra inspirada en los sonidos que el compositor escuchó un día salir del vientre (más bien, panza) de su hija Julika, de dos años de edad, allá por 1967. La otra obra es Tierkreis, basada u originada a partir de los doce símbolos del zodiaco.

Pese a que de esta última hay algunas grabaciones (dos al menos) más recientes, se trata de adaptaciones posteriores al concepto e idea original del compositor, y en los hechos, desde la aparición de esta versión en 1977, la casa disquera que las editó, Deutsche Grammophon, no las ha vuelto a editar, por lo que se trata de un disco fuera del mercado, y esta la primera vez que aparece completo para deleite de los amigos de la página. A disfrutar, pues, de esta primicia.

jueves, 16 de febrero de 2012

Antonio Zepeda [1980 MEX] Templo mayor [mp3 @ 320 kbps from Original 2 Vinyl disc Album]

Antonio Zepeda es uno de los músicos mexicanos más sui generis en la medida en que su trabajo se dirigió desde muy temprano hacia la exploración y recuperación de los sonidos de la música precolombina. Quizá haya que decir música precolombina como la entendemos desde Occidente, desde una cultura en donde la música tiene una finalidad de entretenimiento, de diversión, de apreciación de sus cualidades estéticas y constructivas, y donde todo el elemento ritual, sagrado, no existe.

Antonio Zepeda editó su primer álbum, Templo mayor, en 1982, en donde recopilaba trabajos previos para documentales y algunos espectáculos en vivo que el propio Zepeda había desarrollado en años previos. La recopilación de atmósferas y sonoridades precolombinas es asombrosa, y su capacidad para llevarnos a un universo sonoro de enorme riqueza y oníricas sugerencias. Sin embargo, es poco probable que los pueblos precolombinos usaran la música en la forma en que Zepeda lo hace en este y en sus trabajos posteriores, pues sabemos que el arte puro, es decir, aquel que se justifica por sí mismo ante un público, era algo inexistente entre aquellos pueblos. La música formaba parte de rituales y ceremoniales, y no era más importante que el resto de las actividades rituales y ceremoniales que la acompañaba, incluyendo danzas y recitación de textos, así como sacrificios. Tampoco existía la idea de autoría ni de creador artístico como la entedemos nosotros. No existen obras, con excepción de los pocos poemas que han sobrevivido, que tengan firmas o sean atribuidas a una persona en específico: ninguna escultura, ningún mural, ninguna edificación, tuvo una firma, un nombre de persona a la que estuviera ligada.

No obstante ello, el trabajo de Antonio Zepeda en este disco, fuera del mercado desde hace años, es realmente asombroso, y digno del mayor de los encomios. Tratándose de música contemporánea con instrumentos precolombinos que intenta recuperar cuestiones atmosféricas y narrativas ajenas al sentido original de la auténtica y posible música prehispánica, sus resultados son extraordinarios. Hay una narrativa moderna que intenta, como lo intentaban los poemas sinfónicos y en general la llamada música programática del romanticismo y de siglos previos, llevarnos por la historia y mitología de los pueblos preoclombinos de manera sumamente libre, un aspecto que evidentemente es más occidental: el de querer narrar historias con títulos y descripciones literarias. Este es un disco memorable y uno de los momentos más importantes en la historia de la música mexicana de los últimos treinta años.

miércoles, 15 de febrero de 2012

Tamara Siniávskaya • Romances de Chaikovsky y Rachmaninov [Vinyl ruso + o - 1970s @ 320 kbps]

Continuando con la semana de los discos de vinyl raros e inconseguibles, hoy toca el turno a una grabación de la cual en los hechos no sé nada. Ni siquiera el año de producción o grabación. Algunas señas en eldisco de vinyl mismo, en el espacio final donde la aguja retrocede, parece indicar que el disco podría haber sido prensado en 1974, pues se ve un 74 precedido de otros números, pero nada garantiza que la clave numérica tenga que ver con la fecha de grabación. No obstante ello, al revisar los datos de la cantante, la soprano ruso-soviética Tamara Ilyinichna Sinyavskaia (Тамара Ильинична Синявская, en ruso) nació en Moscú en 1943, por lo que podría pensarse que dicho código numérico refiere, efectivamente, el año en que fue prensado el disco.

La escasa información disponible sobre ella está en ruso y en estonio, y merced ello es posible decir que ha cantado en países de la desaparecida esfera comunista, como la propia Unión Soviética y Corea, así como en Japón, Estados Unidos, Francia, España, y parte de su formación como soprano incluye dos años seguidos (1973 y 1974) en el Teatro a la Scala, en Milán. Grabó Boris Godunov bajo la dirección de Alexander Lazarev, Eugene Onegin (de Chaikovsky) e Iván el terrible (de Prokofief) bajo la dirección de Mtsislav Rostropovich, La novia del zar (de Korsakoff) bajo la direcciíon de Fuat Mansurov, Ivan Sussanin (de Glinka) y El príncipe Igor (de Borodin) bajo la dirección de Mark Ermler, entre otras obras notables. Su repertorio en el Teatro Bolshoi incluye los papeles principales para óperas como Aida, Rigoletto, La Traviata, Guerra y paz, La dama de picas, Carmen, Baile de máscaras, El trovador, Khovanschina, entre un largo etcétera.

La calidad sonora de este registro no es precisamente de excelencia, y por momentos parecería haber sido grabado unos treinta años antes. Sin embargo, la voz de la Sinyavskaia es suficientemente destacable como para vencer la calidad sonora monoaural del registro. Como virtud adicional, está el hecho de que se trata de un disco que recoge un repertorio que casi no ha sido grabado, y que aquí podemos escuchar de manera por demás solvente y elegante por una cantante que no sólo es capaz de recitar los versos de las canciones, sino que además las entiende y puede por ello mismo transmitir toda su fuerza expresiva y emocional, algo que una cantante europea que sólo siga la partitura difícilmente podría hacer.


martes, 14 de febrero de 2012

Couperin • Les Nations • The Jacobean Ensemble [1962 Vinyl @ 320 kbps]

La obra con que descubrí al gran compositor barroco francés François Couperin (1668-1733) fue la que ahora nos ocupa: Les Nations. Y más en lo particular los dos discos que forman la entrega de esta ocasión. No sólo porque fue un regalo de mi padre hace ya casi tres o más lustros, sino porque varios años después tuve la oportunidad de conocer a Neville Marriner, allá por 1995, cuando vino a México, a Bellas Artes, como parte de la gira promocional de su ciclo de las nueve sinfonías de Beethoven que acababa de grabar para Philips. Además de entrevistarlo para el diario en que por aquel entonces trabajaba, el desaparecido Unomásuno (lo que hoy circula con ese nombre no es un periódico), al maestro le mostré los dos discos que ahora nos ocupan, y su sorpresa fue enorme. No podía creer que desde tiempos remotos alguien, en el país más impensado, conservase semejantes grabaciones.

Por cierto, que cuando estos discos fueron grabados Neville Marriner todavía no llevaba el apeltivo real de sir, como desde hace años se le conoce, sino que, en lenguaje llano y simple, era otro pelado más entre los que andaban rolando por el mundo de la música con su patín.

Como sea, recuerdo que me preguntó cómo era posible que tuviese esos discos en mis manos. Los sacó de su funda con todo ciudado, mirando los surcos y el estado de casi perfecta conservación que tenían. Y guardándolos con el mismo cuidado con que los había sacado, me diho que extrañaba aquellos viejos días en que tocaba música de cámara con amigos y colegas. Después me los autografió, y me dio una extensa entrevista para el periódico, sin intermediarios lingüísticos, la cual apareció en la primera plana del suplemento Sábado, del mismo periódico al siguiente fin de semana, en una época en que entrevisté a una gran cantidad de músicos e intérpretes, incluido Maxim Shostakovich.

Las versiones que vienen incluidas en estos dos discos jamás fueron reeditadas en formato digital, y para la época en que conversé con Neville Marriner los discos tenían al menos quince o más años fuera del mercado, y si en aquella época de transición del disco de vinyl al formato digital no fueron reeditados, es poco probable que lo vayan a ser alguna vez. Las razones pueden ser varias. Primero, se trata de grabaciones muy viejas, pues este año cumplen exactamente medio siglo de haber visto la luz; el otro criterio podría ser que no es una interpretación historicista, como empezaba a surgir en el mercado; y finalmente, podría ser que este último argumento haya constribuido a que el sello recién nacido, L'Oiseau Lyre, se dedicara, como la fusión de Telefunken/Decca, a la música antigua con criterios historicistas y estas grabaciones no entraban en ese criterio. Sin embargo, las interpretaciones a cargo de The Jacobena Ensemble, formado por Neville Marriner y Carl Pini (violín), Desmond Dupré (viola), y Thurston Dart (clave), no son, en modo alguno, despreciables. Por el contrario, me parece se trata de uno de los más originales ciclos de estas suites, que usualmente suelen tener un acompañamiento bastante más amplio en cuanto a instrumentación y ornamentación: flautas y maderas suelen agregarse con generosidad siempre agradecible.

Sin embargo, aquí tenemos unas versiones realmente ascéticas, en la medida en que la ornamentación barroca ha desparecido casi por completo, y la instrumentación se reduce a las fuerza básicas de una orquesta de cámara: dos violines y un bajo continuo (viola y clavicémbalo), de modo que el sentido de auténtica música de cámara está reducido a su mínimo común denominador, para usar una fraseología matemática que no está muy fuera de lugar en este caso.

El resultado me parece afortunadísimo en este caso, pues la melodía fluye con total naturalidad, sin afectación alguna, entre distintas sonoridades y timbres, reduciéndose no sólo a su expresión más pura sino también más simple, permitiendo al oído apresar toda la fuerza expresiva de estas obras maestras sin distractores tímbricos, u orquestales si se les quiere llamar así. Sí, se trata de joyas discográficas que nunca, hasta hoy, habían emergido en la web. Nos compalce que sea la Fonoteca la que ahora comparta con ustedes este tesoro que las disqueras les han escamoteado durante medio siglo.

lunes, 13 de febrero de 2012

Bach • Konzete für 2 und 3 Cembali • Gustav Leonhardt [Vinyl rip @ 320 kbps]

Esta semana que empieza la Fonoteca tiene preparado una serie de entragas realmente especiales. La iamgen que abre esta entrada corresponde, literalmente, al disco que nos ocupa el día de hoy. O sea, tenemos una semana de discos de vinyl, llamados en México acetatos, que o bien no han sido reeditados o son sumamente difícules de encontrar.

Se trata de seis discos que he elegido de más de dos o tres docenas posibles y que personalmente he ripeado para ustedes, más un disco final que amablemente nos comparte el pianista mexicano Alberto Cruz Prieto, quien hace unos días tuvo a bien compartir conmigo, y que ahora me toca hacer del conocimiento de ustedes.

El primero de los discos que comparto con ustedes es una grabación histórica realizada en los años de 1963 y 1964 por Das Alte Werke, la colección de música antigua que realizaron las disqueras Decca y Telefuken, de donde salió el nombre de Teldec, sello que finalmente se dedicó a la grabación de obras interpretyadas con criterios historicistas, y que en aquellos días no sólo era una novedad absoluta, sino un desafío al establishment musical de la época, lo cual les valió a quienes decidieron seguir esta corriente (Nikolaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, André Rieu sr., entre otros) críticas y reproche sde los más variopintos imaginables.

Se trata de una de las grabaciones pioneras con instrumentos de época, lo cual no sólo incluía la pretensión de tocar como se supone que podrían haber tocado en tiempos del barroco, sino además de la reducción considerable de instrumentos. Basta comparar esta grabación con obras de Bach con la del concierto de Brandemburgo por parte de Karajan y la Filarmónica de Berlín para percatarse de la monstruosidad que representa esta última frente al carácter abiertamente íntimo de la versión de Loenhardt. Hoy ya nos hemos acostumbrado a ese sonido atemperado, ligero y ajeno a la carga sonora y tímbrica de la orquesta sinfónica, pero en aquellos días esto era simplemente una herejía, y como tal, no pocos críticos hubieran quemado tales discos en piras humeantes y a sus intérpretes sobre ellas, como en el medievo. Afortunadamente eso no pasó, y emjor terminaron por callar quienes se opusieron, y lo que parecía una excentricidad, es hoy el criterio casi universalmente aceptado por disqueras y estaciones radiofónicas.

Johann Sebastian Bach: Konzete für 2 und 3 Cembali
Leonhardt Consort
Violines: Marie Leonhardt, Antoinette van den Hombergh
Violas: Wim ten Have (BWV 1062, 1063, 1064), Lodewijk de Boer
Violinchelo: Dijck Koster
Contrabajo: Fred Nijenhuis
Clavicémbalo y dirección: Gustav Leonhardt
Clavicémbalos solistas en BWV 1064: Gustav Leonhardt, Anneke Uittenbosch, Alan Curtis
Clavicémbalos solistas en BWV 1062 y BWV 1060: Eduard Müller, Gustav Leonhardt

José Manuel Recillas impartirá la Cátedra Sergio Pitol 2012

Al escritor, poeta, traductor, ensayista, melómano, promotor cultural y auspiciador de este espacio, José Manuel Recillas, le fue conferido la distinción de impartir la Cátedra Sergio Pitol en su emisión 2012, que se imparte una vez al año en la Universidad de Guadalajara. Es apenas el segundo escritor al que se le concede este honor. En su anterior emisión, la cátedra fue imparitda por la poeta, ensayista y traductora Pura López Colomé, quien habló de Sergio Pitol, a propósito de un libro de ensayos sobre la obra del célebre veracruzano radicado en Xalapa, especialista en literatura alemana.

A Recillas le fue conferido este año la cátedra con motivo de la aparición en 2010 del opus magnum dedicado al poeta alemán Gottfried Benn (1886-1956), a quien el poeta mexicano, radicado en la ciudad de México, ha dedicado dos volúmenes con traducciones de su poesía y numerosos textos en prosa, la mayoría inéditos en nuestro país. Recopilados con el título de Un peregrinar sin nombre, y editados por La Cabra ediciones en coedición con la Universidad Benito Juárez del estado de Durango, ambos volúmenes vienen precedidos de un extenso estudio introductorio, el cual guía al lector por los recovecos e intrincados vericuetos de la poética del célebre poeta alemán. El título de los dos volúmenes está tomado de uno de los versos del último poema que escribió Benn, el añode su fallecimiento.

Para la ocasión el poeta mexicano, quien actualmente trabaja en la recuperación de la obra del poeta mexicano Juan Bautista Villaseca, ofrecerá una conferencia magistral que lleva por título La experiencia enteogénica de Gottfried Benn, la cual será impartida el viernes 20 de abril de 2012 a las 19:00 horas en las instalaciones de San Juan de los Lagos de la Universidad de Guadalajara.

domingo, 12 de febrero de 2012

[SUPERB] Global Underground #039. Lithuania, mixed and compiled by Dave Seaman

Dave Seaman es un DJ inglés de la llamada vieja escuela del house, cuando el mundo de la música electrónica bailable (EDM, por sus siglas en inglés) no era sino un movimiento no organizado de DJs que tocaban en clubes ingleses y en el continente europeo por el gusto de hacerlo, sin mucho dinero de por medio. Seaman ha mantenido una relación con el trabajo de mezclar discos en las pistas de baile a lo largo y ancho delo planeta en verdad ejemplar. A diferencia del casi todos sus colegas quienes además de mezclar discos se han movido al ámbito de la producción de otros artistas, haciendo ellos mismos remixes de piezas de otros colegas o de artistas populares, Seaman ha permanecido en el ámbito de la mezcla pura y perfecta, sin preocuparse mucho por lanzar cada mes una pieza o un remix de alguien. En su lugar, Seaman se ha mantenido en giras interminables y su prestigio proviene de ese simple hecho: mezclar con una perfección espectacular.

Como todos los DJs de la vieja escuela (Digweed, Sasha, Oakenfold, Darey, Deep Dish, entre otros), Seaman se dedica a crear amplios tejidos musicales perfectamente balanceados, generando una atmósfera increíble no sólo para el ejercicio del baile, sino también para el deleite auditivo sin necesidad de recurrir a piezas musicales mainstream, haciendo eco perfecto con la corriente subterránea de la música dance. Ha sido esta relación con la música menos comercial, la que le ha permitido a Seaman mantenerse en un sitio de excepción en el mundo actual de la electronic dance music, permeada pro un desaforado deseo de popularidad a través de radio shows semanales (no hay prácticamente DJ que no tenga uno), y salvo el caso de su colega inglés Sasha, es prácticamente el único DJ que no participa de esta ferviente actividad semanal (aunque Sasha sí produce música, suya y de otros).

El año pasado Seaman lanzó una de las más esperadas compilaciones, el Global Underground vol. 39, que se hace eco de su set en la ciudad de Lituania, un disco espectacular, con una mezcla de peizas de lo más ecléctico que se pueda imaginar, que dan idea no sólo de lo que fue esa noche en Lituania, sino de la capacidad del DJ para ofrecer una noche inolvidable, y un disco fuera de serie, y que me atrevo a señalar como el m,ejor disco de EDM del 2011.

Para quienes crean que la música bailable electrónica es un constante golpeteo (punchis punchis le llaman despectivamente en México, núsica bacalao en España por las mismas razones) sin sentido, tal vez tendrían que asomarse a este disco, alejado de todo lo que comercialmente se escucha, para percatarse que hay mucha más música electrónica bailable en el mundo que la basura comercial con que nos inundan todos los días. Especialmente notabilísimos los últimos 20 minutos del disco 1, en especial los dos últimos tracks del disco: absolutamente extraordinaria la manera en que Seaman pasa de un Deep House a una atmósfera After party minimal, cercana al Ambient, en el que nos demuestra su asombrosa capacidad para crear atmósferas bailables relajadas, apacibles, y melódicas. Un prodigio de disco doble, mezclado de manera soberbia por uno de los verdaderos maestros de este arte.


Global Underground 039 Lithuania
Mixed by Dave Seaman

Disc One

01. Dj Koze – Blume der Nacht 8:24
02. James Teej – B4 Spring 6:50
03. Mikroboy – Vom Leben und Verstehen (Seelenluft Dub Mix) 5:06
04. Audio Junkies – Deeper 3:46
05. Audio Junkies – Chabad 4:26
06. 16 Bit Lolitas – From The Ground Up 8:00
07. Fiord & Tim Richards – Chatterbox (King Unique Remix GU Edit) 3:23
08. Javier Logares – El sueño espanol 9:21
09. Georg Levin – Falling Masonry (Stimming Mix) 6:31
10. Jet Project – Understand This 6:40
11. Minilogue – Seconds (Max Cooper Remix) 8:29
12. Erol Alkan & Boys Noize – Avalanche 6:17
13. Jemmy & The Aztec – Annexe (Padapella) 4:56
14. King Unique – 2000000 Dubs 3:02
15. Alexander Kostruba feat. Max Richter – What Had They Done? 7:24
16. Moonbeam – Tiger (Roland M. Dill ‘Got Him By The Tail’ Remix) 9:08
17. Roland M. Dill – Taurine On Sunday (Egbert Mix) 7:15
18. Glenn Morrison – Triangle & Strings (Tom Middleton Remix Edit) 2:09

Disc Two

01. Yousef – Come Home (Sasha Remix) 10:14
02. Trentemoller – Sycamore Feeling (Gui Boratto Remix) 7:17
03. Fabrice Lig – Digital Forest 8:44
03. James Talk – Polar 7:29
04. Charlie May & Barry Jamieson – Homecoming 4:03
05. Applescal – Welcome To The Woods 6:54
06. Glenn Morrison – Under A Pink Cherry Tree 7:16
07. Dubfire – Rejekt 6:33
08. Quivver – Yeah Yeah 3:32
09. Fusion F & Come T – Wonder 4:00
10. Bomb The Bass feat. The Battle Of Land & Sea – Up The Mountain 4:42
11. Dave Seaman & Josh Gabriel – Vorahnung 7:32
12. Ajello – Early Sept (Bocca Grande Reprise) 4:45
13. Peter Horrevorts – Bloody Hands 9:51
14. Solee – Jule (Pig & Dan Remix) 7:38
15. Boy 8-Bit – Baltic Pine (Run Hide Survive Remix Seaman Re-Edit) 5:45
16. Carl Craig – At Les (Christian Smith’s Tronic Treatment Remix) 9:41
17. Spitzer feat. Kid A – Too Hard To Breathe (Acappella) 5:02
18. Steve Ward – The Window Between Us & Them 9:16

viernes, 10 de febrero de 2012

Red Army Choir's Forgotten Songs of the Second World War 1944-1945

Durante la Segunda Guerra Mundial las canciones patrióticas rusas ocuparon un lugar muy importante tanto en el nivel de la propaganda política como en el de levantar el ánimo de los ciudadanos rusos que eran enviados al frente de batalla, quisieran o no ir, sin importar su etnicidad; hubo pueblos enteros que fueron enviados sin conmiseración como animales al matadero, todo en aras de defender la gran patria rusa de Stalin.

La música coral, por su misma naturaleza, ocupaba un sitial especial en esta suerte de gran cruzada nacional en contra del fascismo nazi. Por ello mismo, el célebre Coro del Ejército Rojo fue una de las piezas centrales en esta estrategia de defensa y aliento para los ciudadanos vueltos soldados en el frente. El grupo de canciones que incluye esta breve recopilación de canciones olvidadas de ese periodo nos dan una idea no sólo de los distintos registros (dos de ellas fueron recuperadas de archivos radiofónicos) sino de la fuerza expresiva de esta música, de abierto corte político y referencias al suelo nativo.

jueves, 9 de febrero de 2012

Requiem • Philippe Herreweghe [Fauré, Brahms, Mozart] [3 CD BOXSET mp3 @ 320 kbps]

El nombre del director flamenco Philippe Herreweghe es sinónimo de excelencia musical incomparable. Una de las figuras del podio más respetadas y admiradas en el mundo de la interpretación historicista, y con una amplia cantidad de registros discográficos que van desde los motetes de Josquin des Prez del siglo XV, hasta compositores vivos de la escena contemporánea, pasando por Beethoven, Bach, Brahms, Schumann, Bruckner, su vasto repertorio parece abarcarlo casi todo, con excepción de la ópera.

Orgullo de la disquera francesa Harmonia Mundi, en 1997 ésta recopiló tres de sus grabaciones de misas de difuntos más celebradas y mandó hacer un estuche hecho a mano por Brigitte Sivan-Hedel en cartón libre de ácido, reciclado y manufacturado especialmente para la ocasión, anexando un libreto con una amplia entravista con el director, además de un disco extra con muestras de su amplia trayectoria, en lo que puede considerarse uno de los estuches discográficos más notables en la historia de la célebre casa discográfica.

El estuche incluía tres grandes misas de difuntos: la Misa de Réquiem de Gabriel Fauré (grabado en 1988), el Réquiem alemán de Johannes Brahms (grabado en 1996), y el Réquiem de Mozart (grabado en 1997). Para quienes ya conocíamos a Herreweghe la reunión de estas tres obras era motivo de regocijo, en especial por eso del fetichismo de debo tener esos discos en esa edición.

Se trata de grabaciones de absoluta y obligada referencia, en particular la de Mozart, que casi de inmediato se convirtió en mi versión predilecta por su claridad absoluta: no sólo se escucha todo, sino que suena con una pompa y un lujo como nunca imaginé fuese posible. No se diga el de Fauré, al que los instrumentos de época favorecen en este tratamiento deletéreo tan característico de esta obra magistra. Y algo similar sucede con el de Brahms: la exquisita sobriedad de esta obra brilla y resuena majestuosa ene ste registro.

Y por si algo faltase, los solistas son de primerísima calidad: Christiane Oelze y Gerard Finley en el de Brahms, Agnès Mellon, Peter Kooy y Jean-Philippe Audoli en el de Fauré, y Sybilla Rubens, Annette Markert, Ian Bostridge y Hanno Müller-Brachmann en el de Mozart. ¿Se puede pedir más? Pues sí, en su momento esta edición de súper-lujo apareció a un precio en verdad ridículo, el equivalente a dos discos regulares, por lo que la fidelidad tanto al intérprete como a la disquera quedaba garantizado. Sólo les queda a ustedes comprobarlo.

miércoles, 8 de febrero de 2012

Fauré • Requiem • Giulini, Philharmonia Orchestra [Elvis Herrera share]

Usualmente los discos comentados en el espacio de la Fonoteca son de mi entera responsabilidad. Así ha sido por cuatro largos años; pero esta es la primera vez que un amable lector y visitante nos honra con una colaboración que nos deleita, en todo lo que cabe, compartir con los demás visitantes de este espacio.

El amable amigo que nos comparte el disco de este día es Elvis Herrera Rodríguez, quien vive en la hermosa ciudad (me consta, ya estuve allí hace un par de años más o menos) de Morelia, en el estado mexicano de Michoacán, y quien tuvo a bien, desde nuestra página de Facebook, ofrecernos esta oportunidad de una colaboración especial. Así que ya saben, sígannos por las redes sociales y forman parte de esta comunidad.

In other words, as you can see, this album was shared by one of our friends who let us share with all of you out there just for the joy of do it, and he made it through our page on FB, so you can follow us from our Facebook page (just click on the above image at the left of this page, or the link on the text underlined on blue) in order to be part of this big community and share not only your thoughts and remarks, but also, if you want, share your own favorite records and be a special and honorific colaborator of this project. Don't be shy and join us.

El disco que Elvis Herrera nos comparte es una versión esplándida del célebre Réquiem de Gabriel Fauré, una obra única dentro de la literatura musical fúnebre de Occidente, porque es la única misa de difuntos que no tiene un cariz dramático sino esperanzador, y por ende no está escrito en tonalidad menor, sino en una abierta y brillante tonalidad mayor, con pasajes de gran tranquilidad, ajeno a toda visión trágica o dolorosa. Gracias a Elvis por compartir con todos este álbum, y sólo espero lo disfruten.

martes, 7 de febrero de 2012

PAUL OAKENFOLD - FULL ON FLUORO 06 - OCTOBER 2011

PAUL OAKENFOLD - FULL ON FLUORO 06 - OCTOBER 2011

Bayreuth 1951 • Das Rheingold • Herbert von Karajan

Ya me había referido a esta grabación de corte histórico el 9 de julio de 2009, cuando por primera vez apareció en el espacio de la Fonoteca, y ahora lo vuelvo a compartir con los amables amigos que nos honran con su presencia al visitarnos de nueva cuenta.

Grabación en verdad histórica pues se realizó para conmemorar los 75 años del estreno completo del anillo de los nibelungos, lo cual, ocurrió en Bayreuth el 13 de agosto de 1876, por lo que la versión de El oro del Rhin, del 11 de agosto de 1951, que ahora nos ocupa, se hizo en la fecha más cercana a la original.

Se trata de una versión espléndida, en sonido monoaural, pero la maestría de Karajan para presentarnos a un Wagner deslumbrante cumple aquí a cabalidad y el resultado no podría ser más satisfactorio. A ello hay que sumar un elenco de primerísima calidad, y con especialistas consagrados en este arduo y notable repertorio.

Un documento de valor inestimable.

"DER RING DES NIBELUNGEN"
Live recording in mono from
Festspielhaus Bayreuth
1951
Conductor: Herbert von Karajan
Chor & Orchester der Bayreuther Festspiele

Richard Wagner
Das Rheingold
Herbert von Karajan
11.August 1951

Wotan: Sigurd Bjoerling
Loge: Walter Fritz
Alberich: Heinrich Pflanzl
Donner: Werner Faulhaber
Froh: Robert Bernauer
Fricka: Ira Malaniuk
Freia: Paula Brivkalne
Fasolt: Ludwig Weber
Fafner: Friedrich Dalberg
Mime: Paul Kuen
Erda: Ruth Siewert
Woglinde: Elisabeth Schwarzkopf
Wellgunde: Lore Wissman
Flosshilde: Herta Töpper

viernes, 3 de febrero de 2012

Handel • Ombra mai fù • Andreas Scholl, Akademie für Alte Musik Berlin [160 MB, mp3 @ 320 kbps)

Si hay obras que pueden alcanzar un rango casi icónico en la definición de lo que es la labor de un compositor, como lo veíamos ayer con Songs from liquid days de Philip Glass, no es menos cierto que también la grabación de un disco puede convertirse en la auténtica definición de lo que es incónico en el mejor y más amplio sentido rocanrolero del término. Un disco que se eleva por encima de otros del mismo tipo no es algo que se vea am menudo en el ámbito de la música académica europea, si no es en el caso de algunos ciclos como Le quattro stagione de Antonio Vivaldi, al que más adelante dedicaremos una semana para revisar algunos discos justamente icónicos. Me referí al sentido rocanrolero del término icónico porque en el medio musical discográfico de la música clásica esto no suele darse. No hay melómanos (no muchos, que yo sepa) que tengan decorada su recámara con posters de sus artistas favoritos, ni que ardan en deseos de tener todas las grabaciones posibles de ellos: discos oficiales, no oficiales, que coleccionen conciertos, videos, DVDs, bootlegs (esto úiltimo es entendible por esa presuntuosa y mamona idea de buscar la perfección, incluso en un concierto).

El sentido icónico en este ámbito musical corresponde a otro orbe ligeramente distinto, justamente por esta infructuosa y muchas veces ridícula o risible búsqueda o aspiración por la perfección absoluta (¿qué es la perfección, cómo se mide, quién la ha alcanzado, se le puede superar, hay algo más allá de ella?). En esa extraña esfera donde nunca se sabe si realmente se está, es en el que se encuentra el álbum Ombra mai fù del contratenor alemán Andreas Schöll, acompañado por una de las mejores orquestas barrocas europeas, la Academia de música antigua de Berlín, en un recital de arias operáticas de Georg Frideric Haendel. No sé si se pueda hablar de que éste sea un disco perfecto, pero sí sé que quienes entienden ese sentido icónico que surge del mundo más informal del rock sabrán identificar instantáneamente a qué me refiero. Si hay discos como Dark side of the moon, Wish you were here, Sargeant's Peppers Lonely Hearts Club Band, The Joshua tree, In the court of the Crimson King, cuya mera mención no requiere ya de la autoría o de la posesión, entonces debo señalar que este disco se encuentra precisamente en esa misma esfera de representación simbólica (aunque la portada del disco, por razones de esa esquematización tan cuadrada del mundo del disco de la música clásica se encuentre en abierta oposición a ese sentido icónico antes señalado). Basta con lo señalado hasta aquí para que el entendedor sepa de qué estoy hablando, y no haya necesidad de agregar nada más.

jueves, 2 de febrero de 2012

Philip Glass • 3 songs. Songs from Liquid Days • Crouch end festival chorus

Hay obras que suelen ser definitorias para un compositor o intérprete en la medida en que lo visibilizan y lo vuelven una figura de alto impacto entre un público que usualmente suele ser minoritario y especialista o conocedor. Una de esas obras fue el ciclo Songs from liquid days, concebida a mediados de los años ochenta por Philip Glass, por el cual pasó de ser una figura de la vanguardia musical neoyorquina apenas conocida en ciertos círculos de conocedores, a un icono cultural de impacto internacional.

No sólo fue el hecho de tratarse de canciones basadas en textos líricos de iconos de la canción popular estadounidense como Paul Simon, Suzanne Vega (celebérrima en aquellos años), David Byrne (figura celebérrima de la escena underground de aquellos años y líder de la banda de culto Talking Heads), Lauire Anderson (cantante y compositora también de la escena underground neoyorquina de aquellos años), además de la colaboración de Linda Ronstadt y la presencia del entonces emergente y célebre Kronos Quartett. Esta conjunción de figuras de culto y canciones con textos líricos bastante inusuales hicieron posible que Glass se convirtiera en la figura icónica que desde entonces es, y tal impulso ayudó a que el minimalismo, hasta antes de esa época una práctica académica de reducido impacto socio-musical, se volviera una corriente musical dominante, al grado que empezaron a hacerse visibles muchas otra figuras que hacían música minimalista de corte no necesariamente académica, como Wim Mertens, alcanzaran un posicionamiento de mayor envergadura en el mercado discográfico, haciendo incluso que en aquella época de incipiente transición hacia el formato digital, tuvieran ediciones nacionales en vinyl.

Songs from liquid days constituye uno de los momentos más logrados del minimalismo neoyorquino, y fue la confirmación, una vez más, de que lo popular y la supuesta cultura de elite no estaban tan distanciados, y que de hecho siempre ha sido necesario la existencia y alimentación de los géneros vernáculos para dar soporte a la música culta y académica. La versión del Crouch End Festival Chorus de este ciclo, realizada casi quince años después, en arreglo coral es en verdad notable y merece la pena ser escuchado para hallar nuevas sutilezas a uno de los ciclos de cnacniones más notables y exitosos de los últimos treinta años.

miércoles, 1 de febrero de 2012

Bartók • Konzert für Orchester · 4 Stücke Op.12 • Boulez, ChSO

Uno de mis compositores de cabecera y predilectos del siglo XX es el húngaro Béla Bartók, cuya música siempre ha sido un enigma para mí pues tal vez lo único que no se le pueda señalar es que esea hermosa o precisamente agradable, pero sin lugar a dudas tiene una fuerza expresiva y una poetancia tal que resulta deslumbrante y avasalladora. Y a lo largo del tiempo ha tenido grandes intérpretes. Uno de los más grandes, por supuesto, fue Herbert von Karajan, aunque yo no lo descubrí por él, sino por Mariss Jansons, cuya versión del Concierto para orquesta me parece insuperable. Y casi del mismo nivel (y esto puede sonar a una suerte de blasfemia) es esta de Pierre Boulez al frente de una de las mejores orquestas estadounidenses, la de Chicago, con quien el querido maestro francés ha grabado no sólo a Bartók, sino también a Stravinsky, Mahler y Debussy, entre otros.

La versión que nos entrega el querido maestro en este registro digital es simplemente impecable, y sin duda la combinación de una de las mejores orquestas del mundo con su siempre notable y precisa dirección es espectacular y deslumbrante desde cualquier perspectiva. Su legado en cuanto a la música del siglo XX en grabaciones de absoluta referencia no tiene comparación. Y su relación con la música Bartók es realmente fantástica y admirable. Como obsequio, les dejo también, el poema que le escribí en marzo de 1992.


ELEGÍA. BÉLA BARTÓK ESCRIBE SU TESTAMENTO

“Quiere llover afuera lo que adentro se oculta.
Nadie llámese a engaño si este templo ha callado,
en otros tiempos negras visiones crecieron
y sombrías melodías sembraron este roble para los elegidos,
los parias del silencio, los que su patria fundan
con la callada música de su eterno dolor,
este que aquí nos nombra.
Que no busque la aguja del Evangelio
quien no haya con su nombre la noche construido
y su innombrable numen de perlas incendiadas.
Quien tenga oídos, alce las manos todas y escuche:
¿No era bella la tierra de nuestras danzas patrias?
¿No era acaso allí donde nació todo este amor,
esta nostalgia pura por todo lo lejano?
Te nombro ahora, Patria, con tardías palabras
y este silencio que es tuyo y mío.
No hay ya palabras para nombrarte, Amada,
no más sonidos que los tuyos otorgados.

De lejos el amor es una luz que a veces guía,
es un ciego deseo de en silencio nombrarte.
Me diste amor y música, la de tu cuerpo extenso,
me diste estas dos manos —otras me enterrarán,
no las tuyas, sin duda—, y este silencio tuyo.
Como amor tú me diste, te doy sólo sonidos,
palabras sigilosas que sólo tú conoces.
Quien sepa oír que escuche este responso tuyo.

Nueva York, 1943”